Catégorie : Artistes

> Route 2024

Geboren 1965 in Valladolid (Spanien). Lebt und arbeitet in Brüssel.
Ausgehend von Texten, Archivdokumenten und Tonelementen erzählt Dora García reale oder fiktive Geschichten, um die Gesellschaft zu hinterfragen und aufzurütteln. Durch ein vielschichtiges Werk (Videos, Texte, Performances und Installationen) genießt sie es, die traditionellen Beziehungen zwischen dem Werk und seinem Betrachter im Ausstellungsraum aufzurütteln. Seine Inszenierungen, die Fiktion und Realität bis zur Vermischung miteinander verbinden, schaffen originelle, sowohl intellektuelle als auch spielerische Situationen, in denen eine aktive Beteiligung des Publikums an der Entstehung, Aktivierung oder Zerstörung ihrer Werke erforderlich, manchmal sogar obligatorisch ist.

www.doragarcia.net/

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Die französische Künstlerin Jeanne Tara studierte Bildende Kunst an der Haute Ecole d’Art et Design de Genève (HEAD) und anschließend Kunstpraxis an der Ecole de Recherche Graphique in Brüssel. Ursprünglich konzentrierte sie sich auf Malerei und Zeichnung, beschäftigt sich aber auch mit Skulptur und Rauminstallation.
Bevor sie sich der bildenden Kunst widmete, absolvierte Jeanne Tara eine Ausbildung im klassischen und zeitgenössischen Tanz. Diese Jahre des Tanzens prägten seine Beziehung zum Körper und zu den Gesten. In ihrer künstlerischen Praxis befragt sie die Zuschauer durch immersive Installationen, in denen die Besucher umherwandern können, alles in einer Recherche über den Körper und das Territorium. Wie beeinflusst die Natur eines Ortes Körper? Wie interagieren wir mit Objekten in unserer Umgebung?
2015 wurde Jeanne Tara mit dem Caran-d’Ache-Preis ausgezeichnet. Dank zahlreicher Residenzen, insbesondere in der RITA-Residenz in Turbigo in Italien, in La Chaux de Fonds in der Schweiz oder sogar mitten im Mittelmeer auf dem Segelboot Bise Noire, entwickelt sie ihre Arbeit weiter und hebt sie hervor.

jeannetara.com

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Golnaz Payani, eine französisch-iranische multidisziplinäre Künstlerin, wurde 1986 in Teheran geboren. Sie erwarb einen Abschluss in Malerei an der Fakultät für Kunst und Architektur. 2009 verließ sie ihr Heimatland nach Frankreich, wo sie ihr Studium fortsetzte. Anschließend wird sie 2013 ihr Studium an der National Supérieure d’Expression Plastique (DNSEP) an der Kunsthochschule Clermont-Ferrand abschließen.
„Mein Weggang nach Frankreich hatte einen erheblichen Einfluss auf meine plastische Arbeit. Ich entwickelte mein Interesse für das, was jetzt außer Sichtweite, verschwunden und unsichtbar war, und verband mich wieder mit meiner Liebe zu Stoffen.“ Ihre Arbeiten erforschen verschiedene Medien wie Video, Installation, Performance, Poesie sowie Arbeiten an Stoffen. Letztere sind in seinen Werken allgegenwärtig und faszinieren durch ihre Fähigkeit, das Sichtbare und das Unsichtbare sowohl zu verbergen als auch zu offenbaren. Ihrer Meinung nach fungieren Textilien „sowohl als Grenze als auch als Bindeglied“.

www.golnazpayani.com

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Nicolas Muller wurde 1983 in Straßburg geboren, er lebt und arbeitet in Genf. Im Jahr 2006 schloss er sein Studium an der Ecole Supérieure d’Art de Metz (DNSEP) ab und schloss 2007 ein Postgraduiertenstudium in Medienkunst an der Haute Ecole d’Art et de Design de Genève ab. Er profitierte von Residenzen in Berlin, in der Villa du Parc in Annemasse, im Frac de Champagne-Ardenne …
Sein künstlerischer Ansatz konzentriert sich hauptsächlich auf Malerei, Zeichnung, Gravur, Skulptur, Installation und Mischtechnik.
2021 war er Gewinner des Wettbewerbs Halle Nord und 2022 Finalist des 1%-Kunstwettbewerbs für die Insel Yeu. Einige seiner Werke wurden vom Jenisch Museum in Vevey und dem FCAC in Genf erworben.

www.nicolasmuller.com

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Silvana Mc Nulty, eine in Paris lebende Künstlerin, begann 2013 ihr Studium im Bereich Schmuck an der AFEDAP in Paris und der Holts Academy of Jewellery in London. Sie setzte ihr Studium in Amsterdam an der Gerrit Rietveld Academie fort und schloss ihr Kunst- und Designstudium ab. Ihre Ausbildung wird sie 2019 an der Haute Ecole des Art du Rhin in Straßburg (HEAR) fortsetzen.
Sein künstlerisches Schaffen liegt an der Schnittstelle von Skulptur, Installation und Schmuck. Ihre Praxis des Webens ermöglicht es ihr, organische und künstliche Materialien zusammenzusetzen: Perlen, Samen, Metalle, Kunststoffe… So schafft sie hybride Objekte, die beim Betrachter Verwirrung stiften. Diese persönliche Montagetechnik entspringt einem Ansatz, der von dem Wunsch geleitet wird, seine Werke im Maßstab der Hand zu gestalten. Seine Arbeit dreht sich um Materie, Materie in Bewegung, die sich an den Raum anpasst, mit dem sie in Kontakt kommt.

www.silvanamcnulty.com

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Frédéric Lormeau wurde 1962 geboren und lebt und arbeitet in Dijon. Er schloss 1985 ein Masterstudium in Bildenden Künsten und Kunstwissenschaften an der Universität Paris 1 Sorbonne ab, das er mit Auszeichnung abschloss. Seitdem hat er weiterhin persönliche und kollektive Ausstellungen zusammengestellt.
Der Künstler und seine plastischen Werke lassen sich nicht ohne weiteres katalogisieren. Lormeaus Werk liegt auf halbem Weg zwischen Skulptur und Malerei. Seine Werke sind eine Art „Komposit“, das nicht allein durch ihre Ästhetik existiert. Der Künstler hinterfragt das Objekt, seine Form, seine materielle Zukunft, seinen Zweck.
Im Jahr 1995, während der Cinq/Funf-Ausstellung in der Villa Streccius in Laudau, einem Haus, das einer jüdischen Familie gehörte, stellte sich Lormeau die Schritte des jungen Mädchens des Hauses vor, Schritte, die gegen Wände, Fenster, Türen stolpern. Der Künstler verlangte einen Tänzer, der sich mit einem dieser Objekte, einer Skulptur eines Bierbrunnens, in den ein Kompass eingearbeitet war, durch den Raum der Villa bewegte. Die Bewegungen des Tänzers beschreiben eine ebenso markante wie tödliche Reise. Lormeaus künstlerische Arbeiten sind Werkzeuge der Fürbitte, die zu einer Begegnung, einer Befragung, einem Dialog führen.

> Route 2024

Karim Kal, geboren 1977, lebt in Lyon und arbeitet zwischen Frankreich und Algerien. Nach seinem Abschluss an der École Supérieure des Beaux-Arts de Grenoble (DNSEP) im Jahr 2003 setzte er sein Studium in der Schweiz, insbesondere in Vevey, an der Schule für Fotografie fort.
Der Künstler interessiert sich für die Lebensbedingungen der bescheidensten Menschen auf beiden Seiten des Mittelmeers. Er verfolgt seine Arbeit als dokumentarische Ansätze, die die sozialen und politischen Konturen dieser Umgebungen durch die Fotografie öffentlicher Räume zeichnen. Die menschliche Präsenz steht im Mittelpunkt seiner Arbeit und hinterfragt die Spuren, die Kultur und Geschichte hinterlassen.
Im Rahmen seines Aufenthalts in Meyzieu, einer Gemeinde in Lyon, bat der Künstler die Bewohner des dortigen Jugendgefängnisses, ihre Sicht auf ihren Ausstieg aus dem Inneren darzulegen.
Seine Werke wurden in mehrere ständige Sammlungen von Museumsinstitutionen aufgenommen; vier seiner Fotografien befinden sich beispielsweise jetzt in der MAMC+-Sammlung in Saint-Etienne. Im Jahr 2023 gewann er kürzlich den HCB-Preis der Henri Cartier-Bresson-Stiftung.

> Route 2024

Der aus der Franche-Comté stammende Künstler Thierry Géhin erhält mit den Glückwünschen der Jury ein Diplom an der Ecole Nationale des Beaux-Arts de Lyon (DNSEP). Er arbeitet mit Fotografie und Video und ist auch Teil der Installations- und Skulpturenpraktiken der 2000er Jahre. Seine künstlerische Praxis hinterfragt den bewohnten Raum und seine Darstellungen. Orte und Erinnerung sind in seinen Werken eine Dualität und vermischen Realität und Vorstellungskraft. Seine Installationen sind überwiegend vor Ort und zeugen von seiner ausgeprägten Fähigkeit, das Potenzial eines Ortes wahrzunehmen. Er stellt sowohl in Frankreich als auch international aus (MNBA von Santiago de Chile, Villa Kujoyama…). 1997 erhielt er in Lyon den MAC-Fiktionpreis.
Das Ausstellen in einer Kirche ist für ihn kein Unbekannter. Im Jahr 2006 produzierte er eine Serie von fünf Fotografien, die das Motiv einer bemalten Steinmauer im Inneren der Kirche von Fouvent-Le-Haut und das Motiv des Daches des Glockenturms der Kirche von Roche-Raucourt hervorhoben. Alle Fotografien wurden im Kirchenschiff des Vereins für zeitgenössische Kunst AAC präsentiert.

www.thierrygehin.net

> Route 2024

Gilles Furtwängler wurde 1982 in Lausanne geboren, er lebt und arbeitet zwischen Johannesburg und Lausanne. Im Jahr 2006 schloss er sein Studium an der Ecole Supérieure d’Art de Lausanne (ECAL) ab. Während seines Studiums entwickelte er künstlerische Arbeiten auf der Grundlage von Texten, wobei er Wörter als Auslöser für seine visuelle Produktion nutzte. Auf diese Weise widmet er sich der Verwendung von Medien wie Zeichnung, Malerei und Druck als plastische Träger für seine Texte. Der Künstler versucht mit seinen künstlerischen Produktionen, die Denkweisen und Darstellungen unserer Zeit zu hinterfragen.
Gilles Furtwängler präsentiert seine Arbeiten regelmässig in Einzel- und Gruppenausstellungen in der Schweiz und international (Frankreich, Russland, Griechenland, Deutschland, Spanien, Südafrika usw.). 2014 gewann er den Quark-Preis in Genf und 2015 die Federal Art Awards (Swiss Art Awards). Er ist außerdem Mitglied des Vereins CIRCUIT Centre d’Art Contemporain und Gründer der Sendung „Revenir et dire ça“ im Pariser Internetradio *DUUU. Es wird von ProHelvetia unterstützt.

> Route 2024

Anne Fischer ist eine künstlerische Designerin, die 2016 ihren Abschluss an der Design Academy Eindhoven machte. Ihrer Meinung nach hat Design einen großen Einfluss auf die Zukunft unseres Planeten. Der Künstler ist fasziniert von Natur und Pflanzen. Ihre künstlerischen Arbeiten beschäftigen sich mit Themen rund um Wissenschaft, Botanik, Ethnobotanik, Gesundheit, Handwerk und Materialeigenschaften. Anne Fischer experimentiert mit Material und beschäftigt sich mit Themen wie dem menschlichen Wohlergehen, aber auch dem Wohlergehen unseres Planeten.

www.annefischer.fr

> Route 2024

Gaelle Cognée wurde 1988 geboren und absolvierte die École Nationale Supérieure des Beaux-Arts in Lyon und die École Nationale Supérieure des Arts de Paris-Cergy. Bekannt dafür, dass sie ihre Praxis in Gemeinschaftsprojekten bevorzugt, initiierte sie 2009 die Ausstellung „Plafond“, die sich auf die In-situ-Kreation konzentrierte. Eine kontextbezogene Herangehensweise an den Ort, die sich in seiner persönlichen Arbeit widerspiegelt, die sich hauptsächlich auf Video, Fotografie, Schreiben und Performance konzentriert. Beim Schaffen lässt sich der Künstler von Orten inspirieren, an denen man ihn nicht erwartet. Es ist durch verschiedene Formen des Geschichtenerzählens von den Geschichten dieser Orte und der Geschichte inspiriert.
Gaelle Cognée war 2021 am FRAC zu Gast. Dort arbeitete sie an einem Videoprojekt, das den Mythos von Jeanne d’Arc beleuchtete. Das Projekt basiert auf der gemeinschaftlichen Arbeit an bestehenden oder fantasierten Geschichten über die Geschichte von Jeanne d’Arc mit dem Ziel, eine nichtlineare und nicht-chronologische Version ihrer Geschichte anzubieten.
Parallel zur Biennale Art en Chapelle wird sie 2024 die zweite Einzelausstellung ihrer Karriere im 19 CRAC in Montbéliard veranstalten.

> Parcours 2022

Sébastien Thiéry est docteur en sciences politiques et enseignant à l’École Nationale Supérieure d’Architecture de Paris Malaquais. En 2012, il fonde, avec le paysagiste Gilles Clément, le PEROU – Pôle d’Exploration des Ressources Urbaines – un collectif de chercheurs, d’architectes, d’artistes venus apporter une intelligence et un regard sur « la jungle » qu’il analyse comme un phénomène nouveau, une sorte d’ovni urbanistique, architectural et humain. Auteur de plusieurs livres et films, il participe également au comité éditorial de la revue Multitudes. Pensionnaire à la Villa Médicis en 2019-2020, il y coordonne une requête auprès de l’Unesco, avec divers auteurs autour de la Mer Méditerranée, visant à faire inscrire l’acte d’hospitalité au Patrimoine ulturel immatériel de l’humanité.
Association loi 1901, le PEROU est un laboratoire de recherche-action sur les confins de nos villes (bidonvilles, jungles, squats, refuges en tout genre) et les gestes, formes, actes d’hospitalité qui s’y inventent. Il est conçu pour faire s’articuler action sociale et action architecturale. Se référant aux droits fondamentaux européens de la personne et au « droit à la ville » qui en découle, le PEROU se veut un outil au service de la multitude d’indésirables, communément comptabilisés comme cas sociaux voire ethniques, mais jamais considérés comme habitants à part entière.
Alors que se généralise une politique aussi violente qu’absurde n’ouvrant que sur des impasses humaines (expulsions, destructions, plans d’urgence sans issues, etc…) le PEROU veut faire se multiplier des ripostes constructives, attentives aux hommes, respectueuses de leurs fragiles mais cruciales relations au territoire, modestes mais durables.

> Parcours 2022

Prune Simon-vermot, née en 1987 à La Chaux-de-Fonds, y vit et travaille entre La Chaux-de-Fonds et Lausanne. Après le lycée Blaise Cendrars de La Chaux-de-Fonds (2002-2005), elle suit des études en communication visuelle à la HEAD à Genève (2006-2010). Assistante six mois du photographe lausannois Matthieu Gafsou et soucieuse d’affiner sa pratique, elle entre à l’Ecal à Lausanne en Master Art Direction photographie (2011-2013). En juillet 2013 elle reçoit le prix Exécal et la bourse de la relève photographique de Prohelvetia. Son travail fait partie de plusieurs collections, institutionnelles, publiques ou privées, ainsi la collection d’art de la ville de Deauville, de la Banque Cantonale Vaudoise, la collection Olivier Mosset.
Elle participe depuis 2011 à des expositions personnelles ou collectives, à l’Élac (espace lausannois d’art contemporain), au musée des Beaux-Arts de La Chaux-de-Fonds, à PhotoBasel. Nommée aux bourses fédérales de design en 2019, elle est aujourd’hui photographe au musée d’ethnographie de Neuchâtel, co-curatrice, avec l’artiste Denis Roueche, de l’espace d’art Palais à Neuchâtel et chargée de cours à l’Écal à Lausanne.

> Parcours 2022

Olivier Toulemonde, né en 1972, vit et travaille à Besançon. Issu de la musique concrète, Olivier Toulemonde a pris l’habitude d’écouter à l’intérieur des sons, puis d’en révéler les contours. Il en a développé une relation intime au bruit – celui qui nous entoure, celui qui résonne en nous, celui qui fait musique. Et c’est cette question du sonore qui façonne son travail artistique, que ce soit en tant que plasticien, musicien, compositeur ou réalisateur radio. Dans son travail d’installation, sa démarche consiste le plus souvent à enregistrer des sons et/ou des paroles, puis les agencer de façon à les faire dialoguer entre eux, ainsi qu’avec l’architecture du lieu. Le dispositif de diffusion, spécifique à chaque espace, est conçu comme une invitation à l’écoute en profondeur, dans laquelle la perception de l’auditeur est intimement reliée à l’espace dans lequel il évolue. Le silence, la matérialité du son, la parole, le timbre de la voix, le récit en creux, les hésitations du langage et le son ordinaire du quotidien sont autant de marqueurs essentiels dans le travail sonore d’Olivier Toulemonde.

www.olivier-toulemonde.com

> Parcours 2022

Matthew McCaslin est un artiste américain né en 1957 à New York. Il vit et travaille à Brooklyn. Il débute sa carrière au sein de la jeune génération d’artistes américains de la fin des années 80 qui manifeste un goût prononcé pour l’objet. Il en interroge pour sa part le statut, non plus pour célébrer la société de consommation, comme l’ont fait au préalable les artistes du Pop art, mais pour en manifester le désenchantement.
Matthew McCaslin est connu pour ses vidéos et ses sculptures réalisées à partir d’objets de la vie quotidienne apparemment agencés de façon chaotique, dans un désordre faisant parfois songer à des chantiers abandonnés. Tout comme les artistes de l’Antiform, courant dont Robert Morris écrit le manifeste en 1968 pour marquer son opposition au minimalisme, Matthew McCaslin expérimente des matériaux réputés non sculpturaux tel que le tissu, les câbles ou des spots. Il obtient ainsi des œuvres souples, molles, informes qui contredisent et questionnent les définitions traditionnelles de la sculpture. L’œuvre Bedded Bed, composée de 150 couvertures empilées, évoque un lit à première vue confortable et accueillant. Mais l’origine des couvertures, récupérées par l’artiste auprès des hôpitaux et ayant appartenu à des personnes sans-abris ou à des malades, suscite au contraire un malaise. Derrière cette ambiguïté pointe en fait ici une critique sociale, l’artiste rendant visible ce qu’on ne veut pas voir.

matthew-mccaslin.com

> Parcours 2022

Née en 1988, vit et travaille en Côte-d’Or. Son travail se déploie via la sculpture et l’installation, mais aussi par la photographie et le dessin. « L’artiste joue des effets de symétrie ; entre profondeur et hauteur, caché et visible, forme produite et matière brute. Intuitivement, par la dynamique créée entre expérimentation et réflexion, le travail de Marion Lemaître, rejoint un des principes formulé par Paul Klee : le travail artistique doit désormais trouver son origine, son point de commencement dans le contradictoire, l’ambivalent. »
Sillonnant les passages étroits des grottes ou des lignes de crêtes, l’artiste met à jours ces espaces limitrophes, entre-deux, qui sont autant frontières que points de jonctions, et qui entrent en résonance avec le concept de point gris que Klee définissait ainsi dans l’espace pictural : « ce point est gris parce qu’il n’est ni blanc ni noir ou parce qu’il est blanc tout autant que noir. il est gris parce qu’il n’est ni en haut ni en bas ou parce qu’il est en haut autant qu’en bas. Gris parce qu’il n’est ni chaud ni froid. gris parce que point nondimensionnel, point entre les dimensions et à leur intersection, au croisement des chemins. »

www.lemaitremarion.com

> Parcours 2022

Lyse Fournier est installée à Bordeaux depuis 2013. En 2014, elle intègre l’atelier collectif La Réserve-Bienvenue dont elle est membre active. Cet artist-run-space est avant tout un lieu de travail mais se fédère autour de projets communs et organise des événements et des résidences. Elle développe un travail sur le paysage au travers du médium photographique. Lauréate du Prix Impression Photographique III des Ateliers Vortex, elle a présenté son travail au Musée de la Photographie Nicéphore Nièpce à Chalon-sur-Saône en 2018. La même année elle a participé au programme Post-Production #2 du Centre d’art — Maison Des Arts Georges & Claude Pompidou dans le Lot. Ces derniers événements ont opéré un tournant décisif dans sa recherche artistique développant ainsi une pratique plus sculpturale. En 2020 elle présente Jet Stream, une exposition personnelle à Bordeaux chez Éponyme Galerie. En 2021, elle participe à plusieurs expositions collectives dont Upside Down chez DOC! à Paris curatée par Lena Peyrard et Le Club du poisson Lune au CAPC à Bordeaux curatée par Cédric Fauq.
En résidence l’été dernier, elle a poursuivi sa recherche au Centre d’Art de Flaine, en Haute-Savoie.
“ Je photographie des paysages, des motifs que je répète. ce sont des natures vues et fantasmées, des récits. Je construis des hybrides, des paysages hasardeux et poétiques. ils se situent aux frontières du réél et de la fiction. C’est sur cette perception, ce moment où la mémoire et la sensation se mélangent, que se construisent mes images. Je me plonge dans des ambiances, mes souvenirs se brouillent, deviennent flous, se crée alors comme un Mnémosyne. Les rapports d’échelles varient, je compose avec le vrai, le fragmente. Je mélange les esthétiques, ce sont des survivances. Mon approche est picturale, je travaille la couleur, la lumière ; je fais des images-peintures. Je me concentre sur des textures, des nuances. J’utilise l’image pour ce qu’elle est, un matériau. Je l’imprime sur différents supports en m’attachant à sa dimension physique. en lui donnant du volume, elle devient sculpture ou installation. “

lysefournier.com

> Parcours 2022

Laurent Guenat est né à Bienne en 1954 et est originaire du Noirmont dans le Jura suisse. Il vit à Sainte-Croix et travaille aux Verrières et à Sainte-Croix. Il quitte son emploi en 1988 pour se consacrer à la recherche artistique. Il pratique la peinture, le plus souvent en grand format, et l’écriture. Il crée des livres d’artiste uniques à partir de cartons d’emballages qu’il relie, et qu’il considère comme ses laboratoires. Il a aussi pratiqué la poésie sonore en compagnie d’un contre-bassiste et publié deux CD. Il a exposé en France (Nice, Kaysersberg, Pont-de-Roide, château de Joux), au Caire et en Suisse.
« Chez Laurent Guenat, l’acte de peindre tient de l’engagement. il met en forme un regard critique posé sur ce qui entrave l’Homme dans l’expression de son énergie primitive. Le travail de l’artiste témoigne des bouillonnements de la vie dans cette lutte perpétuelle pour s’extraire des enfermements qui aliènent. Le spectateur est ainsi entraîné dans un processus de questionnements. »
Géraldine Veyrat, historienne d’art

> Parcours 2022

Pour Julie Chaffort, le cinéma est un médium dominant, naturel, qu’elle choisit très tôt de développer, à l’école des Beaux-arts de Bordeaux où elle étudie, puis auprès de Roy Andersson qu’elle assiste en Suède, et de Werner herzog dont elle suit le séminaire à sa Rogue Film School à NewYork.
Les vidéos de Julie Chaffort mirent le paysage, le toisent et le parcourent ; on y croise des hommes au destin tragique et des héros aussi beaux que les chants qui les accompagnent – peut être pour en donner la mesure. Les gestes accomplis sont tout à la fois drôles et absurdes, l’avenir toujours incertain et les paroles s’envolent, attrapées par les branches d’une forêt ou englouties dans les eaux d’un lac. Les récits s’écrivent entre les longs plans-séquence et se devinent dans les détails que la lenteur permet d’observer comme l’on admire une nature morte. L’artiste ouvre des univers parallèles, atemporels et insituables, où le monde se signale à nous par ses infimes déplacements et l’infinité de ses signaux – étrangement menaçants. Julie Chaffort expose en France et à l’international. Son dernier film Légendes était en compétition officielle française et en compétition CNAP du FIDMarseille 2020. Ses œuvres font parties de collections nationales et privées. Née en 1982, elle vit à Bordeaux et travaille en France.

www.julie-chaffort.com

> Parcours 2022

“ Plutôt que de m’attacher à un médium de prédilection, je préfère imaginer des approches répondant au plus juste à chaque nouveau projet. J’œuvre ainsi dans des techniques et domaines variés, peinture, gravure, sérigraphie, objets, textes. Parfois autobiographiques, mes projets s’inspirent du quotidien et s’intéressent à l’humain, dans un regard où l’humour se fait à la fois tendre et piquant. Des supports improbables définissent certaines créations, comme les autoportraits sur biscuits de Petit monde au beurre noir, les Biodiversités de nez collectionnés dans des alvéoles à chocolat, la robe tricotée en cassettes audio de Janis John‘n Joe, ou les peintures sur toasts et fromage de la série Croque-messieurs.
Quant à mon parcours, en voici l’essentiel : licence en lettres, formation artistique à l’université de Berne, à l’ESAV à Genève et au Département artistique de la Florida State University, pour me perfectionner en sérigraphie, et résider dans les ateliers de Nexus Press, à Atlanta, une fondation dédiée à la production de livres d’artistes. aujourd’hui, parallèlement à la poursuite de mon travail artistique que j’expose régulièrement, j’occupe un poste de médiation culturelle au musée d’art de Neuchâtel, j’enseigne la création à l’école d’art appliqué de la Chaux-de-Fonds et j’anime des ateliers de création pour adultes. Ces activités, et le contact avec un public très divers, nourrissent et inspirent mes recherches personnelles.”

www.genevieve-petermann.ch

> Parcours 2022

Charlotte Moth, née en 1978 au Royaume-Uni, vit à Paris depuis 2008. Sa façon processuelle de travailler révèle une œuvre menant à l’autre, non pas dans une progression linéaire mais plutôt comme un réseau de nombreuses directions. Inscrites dans la situation d’un lieu, réagissant aux caractéristiques de l’architecture, de nombreuses œuvres sont recréées pour chaque exposition avec une interprétation in situ. Moth part à la découverte du mystérieux dans le familier.
En 2017, elle a été l’une des quatre nominées pour le Prix Duchamp, remis au Centre Pompidou, à Paris. Ses principales expositions à ce jour incluent : Group exhib Light and Language – Lismore Castle Ireland Cur, Lisa Le Feuvre (2021) Solo exhib Enjambment, Marcelle Alix, Paris, (2020) – Colección XVI, Centro de Arte Dos de Mayo, Madrid, (2019) – Voir en se déplaçant, MIT–List Visual Arts Center, Boston (2017) – Carnet de voyage, Kunstmuseum Liechtenstein (2016) – Tate Britain, Archive Room, Londres – Fondation Esker, Calgary (2015) – Centre d’art contemporain, Genève (2012) – Fondation Serralves, Porto (2011).