Catégorie : Artistes

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Trained as a geographer, Julien Discrit explores the representation of space, real or imagined, through various media—sculpture, installation, video, photography, and painting. Inspired by geomorphology and neuroscience, his work seeks to describe physical and biological processes, as well as to examine their visual representation. Often relative or fragmentary, his representations explore the relationships between human beings and the world around them, grasp the connections between the visible and the hidden, and evoke a memory that is both collective and personal.

www.instagram.com/juliendiscrit

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« Through my work, I seek to defamiliarize the world. Through manipulation, reproduction, and extensive molding, I question familiar things, pushing them towards the absurd, the poetic, or the whimsical. My sources come from everyday life, science, the arts, or simply from collected familiar objects to which I apply processes of my own invention: transformation, inversion, changes in materials, scale, and substance, to question their status, value, function, and very existence. I seek paradox, the emergence of unexpected meanings. » After studying biology, Christian Gonzenbach (born in 1975) graduated from the Geneva University of Art and Design (now HEAD), spent a year studying ceramics in Japan, earned a Master of Fine Arts in London (Chelsea College), had two children, completed a residency at CERN, and currently teaches sculpture at HEAD, in addition to his artistic practice, which includes about ten exhibitions a year in Switzerland and elsewhere. Constantly questioning our material culture, our relationship to objects and their manufacturing techniques, Christian Gonzenbach has developed a space for experimentation closer to a laboratory than a workshop. He resembles an alchemist searching for that point where everything suddenly reverses, where values ​​are inverted and we finally see clearly, or nothing at all.
For over twenty years, Christian Gonzenbach has pursued a plastic and poetic quest, manipulating and transforming objects and materials, gestures and concepts. His work has been the subject of numerous solo exhibitions in institutions in Switzerland and abroad. His work is part of important public and private collections, such as the Victoria & Albert Museum in London, the Essl Collection in Vienna, the Musée de la Chasse et de la Nature in Paris, the MUDAC in Lausanne, and the FMAC in Geneva.

www.gonzenbach.net

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Élie Bolard (Pontarlier, 1999) develops a practice centered on contemporary technologies, questioning their operation and the monopoly of technical knowledge. His installations and sculptures blend artisanal and industrial styles. All of these installations are motorized and inherently sonic: the electronics are visible and the mechanisms audible. These machines echo a standardized world where gesture is omnipresent. Automation plays an essential role in his work, from a theoretical, critical, and visual perspective. Endowed with their own intelligence and reactions, these machines invite the viewer to consider them as beings in their own right. Everything is in motion, everything is alive, but the human being is no longer invited, or is reduced to the role of producer.

eliebolard.net

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Denis Roueche procède par rêverie et fantaisie. Il regarde les choses pour ce qu’elles ne sont pas et ce qu’elles pourraient être … et met en œuvre son inventivité. Il comprend vite comment tirer parti du moindre objet et de sa forme, tout en détournant sa fonction ou en y renonçant entièrement. Il y a là un vrai plaisir d’adulte qui cherche à conserver un rapport récréatif et stimulant avec le monde qui l’entoure. L’artiste n’opère pas avec une spontanéité naïve, mais bien en connaissance de cause. L’imaginaire qu’il déploie dans son travail artistique, provient des « souvenirs et visions d’aventures qui ont nourri son enfance et sont utilisés consciemment ». S’il joue avec la perception du public poussé à identifier des motifs familiers dans des objets qui les imitent en leur prêtant leurs caractéristiques, il s’agit bien d’images intentionnelles et non de paréidolies visuelles. Ces déplacements, ces réusages et ces jeux d’échelle ne manquent jamais de provoquer une étincelle d’amusement dans l’œil de celle ou celui qui les observe.

fromnewithlove.ch/artiste/roueche-denis

> Parcours 2026

Marina Zindy explore les relations entre l’humanité et le vivant à travers une diversité de médiums artistiques. Dans ses sculptures en céramique, Marina Zindy évoque l’empreinte de l’être humain sur la planète. Elle offre un refuge pour des boutures de corail, fragiles mais porteur d’espoir. Après avoir travaillé autour de ce projet intitulé Une bouteille à la mer, elle poursuit ses re- cherches et collabore avec différents musées et centres de recherches scientifiques.
Elle utilise des déchets plastiques pour créer des installations et une série photographique nommée Îlot d’incertitude. Elle met en lumière les défis environnementaux contemporains. En 2025, elle a été invitée à travailler avec l’équipe des géologues de l’ENS de Paris, notamment lors de la mission océanographique NODSSUM, qui a cartographié les fûts contenant des déchets radioactifs, jetés dans l’Atlantique. L’artiste a déposé ces sculptures à plus de 4000 mètres de profondeur. Son travail invite à une réflexion profonde sur notre relation avec la nature et notre impact sur celle-ci.

ecerfvelee.com

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Née en 1989 à Nancy, France. Vit et travaille actuellement en France. Après un Master à l’ENSAD de Nancy, elle est diplômée du Master CCC – théorie critique à la HEAD de Genève ; obtient le prix Gianni Motti (2014) et le prix Edward Steichen (2024). Dans l’espace commun, sa démarche cherche des points de bascule de manière à : inverser des rapports de forces ; rendre perceptibles les marges / la biodiversité. Cela l’engage dans des compositions de situations contextuelles et éphémères. Discrètes mais complices, ses interventions proposent une lecture à double tranchant. Au premier abord, le geste semble drôle, léger voire superficiel, pour ensuite nous faire face.

mariannevilliere.net

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Né en 1997 à Agen. Vie et travaille entre Moncrabeau et Marseille.
« …Suivre les cheminements de l’artiste, ses déplacements et ses digressions, parfois les détours ; s’accrocher comme les rapégons et se laisser porter pour germer ailleurs, ou suivre le chant d’un rossignol pour changer d’itinéraire, laissant la place aux imprévus mais aussi aux rencontres qu’on peut faire le long du chemin. D’ailleurs, c’est souvent grâce aux expériences furtives faites dans ces contextes inattendus que Théophile Peris rencontre des nouvelles techniques et savoir-faire. Autant de techniques comme autant de manières d’être au monde. Terre, os, chardons, cailloux, toisons, fer, bois, cornes, ready-made… Entre sculpture et objet fonctionnel, ses outils de travail aussi sont souvent fabriqués – ou adaptés – sur place, avec les moyens et les ressources offerts par l’environnement proche. Tout chez Théophile Peris est matière à sculpter, à assembler, à transformer. Carder, teinter, encore carder, piétiner la laine mouillée pendant des heures, assembler, ramasser, repartir et revenir, enrouler, recommencer. Voilà les actions qui se succèdent et se répètent comme une danse, dans une sorte de rituel. Sa pratique trouve sa source de ses observations transcrites en dessin dans ses carnets, faisant écho aux objets qu’il ramasse et accumule dans son sac ou qu’il organise méticuleusement sur des tables dans son atelier. Ce sont autant de bestiaires où prennent forme idées, motifs et créatures étranges. »

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François Génot lives and works in a rural area of ​​eastern France. Active on the international scene since 2005, he has undertaken numerous residencies and exhibitions in France and abroad. In 2020 and 2021, his work entered the collections of the Museum of Modern and Contemporary Art in Strasbourg and the FRAC Alsace. A founding member and active participant in numerous community-based projects, he contributes significantly to the development of culture in rural areas. He has taught drawing at the École Supérieure d’Art de Lorraine in Metz since 2016.
François Génot draws his attitude and the driving force of his approach from the resilience and proliferation of life. Travel, collecting, and a particular attention to materials, forms, and natural phenomena nourish his practice. The processes he develops according to the seasons and the different environments he frequents allow him to maintain an active collaboration with the living world. In 2023 he collaborated with the LMNO gallery in Brussels, developed a large-scale project with the FRAC Alsace around ferality (dedomestication of nature) as an artist and curator, carried out a residency at the Ferme Asile in Sion in the Valais Switzerland and exhibited in Quebec and at the HBK in Saarbrücken, Germany, participated in the Luxembourg Art Week with the Octave Cowbell gallery and in the Fertile à Par exhibition project.

www.francoisgenot.com

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Diplômée de la Haute école d’art et de design de Genève (HEAD), Pauline Cordier articule depuis plusieurs années sa recherche autour de la question de la spécificité des lieux et considère les médiums de la sculpture et de l’installation comme des vecteurs d’expression de leur propre situation. Dans sa pratique, elle déjoue les notions de perception et de temporalité, et met à l’épreuve la question de l’interdépendance qu’une forme peut entretenir avec sa situation, en positionnant la matière au centre de cette relation.
Pauline Cordier a présenté son travail lors d’expositions monographiques à Standard/Deluxe (Lausanne, Suisse), à la galerie Andata Ritorno (Genève, Suisse), à Espace Contact (Neuchâtel, Suisse), à la Galerie A.ROMY (Genève, Suisse), à la Salle Crosnier du Palais de l’Athénée (Genève, Suisse) et au Kunstkasten (Winterthur, Suisse). Elle a également participé à de nombreuses expositions collectives en Suisse et à l’international, notamment au Centre d’Art Contemporain Circuit (Lausanne, Suisse), à Art Genève (Genève, Suisse), à Art au Centre (Genève, Suisse), au Walgreens Windows project space (Miami, États-Unis), à REA Art Fair (Milan, Italie), à l’Espace d’art contemporain Les Halles (Porrentruy, Suisse), au 64 e Salon de Montrouge (Paris, France), à Jungkunst (Win- terthur, Suisse) et à Inchon Art Platform (Corée du Sud).

paulinecordier.com

> Route 2026

Claire Hannicq is a visual artist and coordinator of the Faires Workshop in the Vosges region of France. She is a graduate of HEAR Strasbourg and ESAL-Épinal.

Her practice oscillates between sculpture and image. She works with wood, glass, and metal to evoke notions inherent to the immaterial: the flow of thoughts, relationships, and feelings. Hannicq’s work has been exhibited in Canada at the Optica art center in Montreal and the Galerie Engramme in Quebec City; in Switzerland at the Kunsthalle, Salon Mondial, and Projektraum M54 in Basel; in Germany at the Saarländisches Künstlerhaus and the Moderne Galerie in Saarbrücken, as well as the Kunsthaus L6 in Freiburg; in Estonia at the EKA Gallery in Tallinn and the Tartu Art House; and in Sweden at the Galerie Grafik i Väst in Gothenburg. In France, she has exhibited at the MAC VAL, the FRAC Alsace and the FRAC Franche-Comté, the Kunsthalle in Mulhouse, the Synagogue of Delme, the Museum of Fine Arts and Archaeology of Besançon, the Museum of Images in Épinal, as well as the Printing Museums of Nantes and Lyon. Claire Hannicq has participated in residencies at the Darling Foundry in Montreal, the Grafikwerkstatt in Dresden, in Spain, Sweden, and France.

clairehannicq.com

> Parcours 2026

Céline Notheaux est diplômée de l’Institut Supérieur des Beaux-Arts de Besançon et de l’Universitat de Bellas Artes de Valencia. L’exercice du dessin initie sa pratique qui se déploie en des corpus de pièces de natures variées. Peinture, édition, céramique, vidéo et performance sont adoptées en fonction d’installations pensées comme des jeux d’esprit, des parcours symboliques à déchiffrer. Les imaginaires liés au monde agricole, aux champs du savoir, à la société de classe nourrissent ses recherches. Aussi, une production textuelle irrigue sa pratique par le souterrain, faisant de la médiation et de la réception des œuvres un aspect pensé en atelier. À travers des expérimentations formelles et esthétiques, elle cherche à négocier un espace de pensée à la croisée des domaines poétique, documentaire et existentiel, en cela sa pratique est incarnée. Depuis 2014, avec le collectif W, entre 2022 et 2025 aux Ateliers Vauban puis depuis 2026 avec Gynettes, elle mène des projets de commissariat, de co-création et à visée pédagogique.

celinenotheaux.fr

> Parcours 2024

Née en 1965 à Valladolid (Espagne). Vit et travaille à Bruxelles.
Travaillant à partir de textes, de documents d’archives, d’éléments sonores, Dora García narre des histoires réelles ou fictives pour questionner et ébranler la société. À travers une œuvre protéiforme (vidéos, écriture, performances et installations), elle s’amuse à bousculer les rapports traditionnels entre l’œuvre et son spectateur, au sein de l’espace d’exposition. Ses mises en scène, alliant fiction et réel jusqu’à les confondre, créent des situations originales, à la fois intellectuelles et ludiques, où une participation active du public est requise, parfois obligatoire, dans la création, l’activation ou la destruction de ses œuvres.

www.doragarcia.net/

> Parcours 2024

Artiste française, Jeanne Tara a étudié l’art visuel à la Haute École d’Art et Design de Genève (HEAD) puis la pratique de l’art à l’École de Recherche Graphique de Bruxelles. A l’origine, elle s’est orientée vers la peinture et le dessin mais elle pratique également la sculpture et l’installation dans l’espace.
Avant de s’adonner aux arts visuels, Jeanne Tara se formait à la danse classique et contemporaine. Ces années de danse ont marqué son rapport au corps et aux gestes. Dans sa pratique artistique, elle questionne les spectateurs au travers d’installations immersives dans lesquelles les visiteurs peuvent déambuler, le tout dans une recherche sur le corps et le territoire. Comment la nature d’un lieu influe-t-elle sur les corps ? Comment interagir avec les objets présents dans notre environnement ?
En 2015, Jeanne Tara fut récompensée par le Prix Caran-d’Ache. Elle ne cesse d’évoluer et de mettre en avant son travail grâce à de nombreuses résidences, notamment à RITA residenzia à Turbigo en Italie, à la Chaux de Fonds en Suisse ou encore en pleine Mer Méditerranée avec le voilier Bise Noire.

jeannetara.com

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Artiste pluridisciplinaire franco-iranienne, Golnaz Payani est née à Téhéran en 1986. Elle y obtiendra une licence de Peinture à la Faculté d’Art et d’Architecture. En 2009, elle quitte son pays natal pour la France, où elle poursuit ses études. Elle reçoit le diplôme National Supérieure d’Expression Plastique (DNSEP) à l’École d’Art de Clermont-Ferrand en 2013.
« Mon départ pour la France a eu une influence considérable sur mon travail plastique. J’ai développé mon intérêt pour ce qui était désormais hors de vue, disparu et invisible et j’ai renoué avec mon amour du tissu ». Ses œuvres explorent divers moyens tels que la vidéo, l’installation, la performance, la poésie et les travaux sur tissus. Ces derniers, omniprésents dans ses œuvres fascinent par leur capacité de cacher comme de dévoiler, de réunir le visible et l’invisible. Selon elle, le textile « fait office à la fois de frontière et de lien ».

www.golnazpayani.com

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Nicolas Muller est né à Strasbourg en 1983, il vit et travaille à Genève. En 2006, il est diplômé de l’École Supérieure d’Art de Metz (DNSEP) puis effectue en 2007 un Postgrade art média, à la Haute École d’Art et de Design de Genève. Il a bénéficié de résidences à Berlin, à la Villa du Parc à Annemasse, au Frac de Champagne-Ardenne…
Son approche artistique se tourne principalement vers la peinture, le dessin, la gravure, la sculpture, l’installation et les techniques mixtes.
En 2021, il est lauréat du concours Halle Nord, et en 2022, est finaliste du 1% artistique pour l’île d’Yeu. Certaines de ses œuvres ont été acquises par le Musée Jenisch à Vevey et le FCAC de Genève.

www.nicolasmuller.com

Parcours 2024

Artiste basée à Paris, Silvana Mc Nulty a débuté son cursus en 2013 dans le domaine de la bijouterie à l’AFEDAP de Paris et à la Holts Academy of Jewellery de Londres. Elle poursuivra ses études à Amsterdam à la Gerrit Rietveld Academie dont elle ressort diplômée en art et design. Elle continuera son apprentissage à la Haute École des Art du Rhin de Strasbourg (HEAR) en 2019.
Son travail artistique s’inscrit au carrefour de la sculpture, de l’installation et du bijou. Sa pratique du tissage lui permet d’assembler des matières organiques et artificiels : perles, graines, métaux, plastiques… Elle créé ainsi des objets hybrides qui suscitent le trouble chez le spectateur. Cette technique d’assemblage personnelle émane d’une approche guidée par le souhait de concevoir ses œuvres à l’échelle de la main. Son travail s’articule autour de la matière, une matière en mouvement qui s’adapte à l’espace avec lequel elle rentre en contact.

www.silvanamcnulty.com

> Parcours 2024

Né en 1962, Frédéric Lormeau vit et travaille à Dijon. Il suit une maîtrise en Arts Plastiques et Sciences de l’Art à l’Université Paris 1 Sorbonne en 1985, où il en ressort avec une excellente mention. Depuis il ne cesse de cumuler expositions personnelles et collectives.
L’artiste et son œuvre plastique ne se laissent pas aisément cataloguer. Le travail de Lormeau est à mi-chemin entre la sculpture et la peinture. Ses œuvres sont des sortes de « composées » qui n’existent pas uniquement à travers leur esthétique. L’artiste questionne l’objet, sa forme, son devenir matériel, son but.
En 1995, lors de l’exposition Cinq/Funf à la Villa Streccius à Laudau, maison ayant appartenu à une famille juive, Lormeau imagine les pas de la jeune fille de la maison, des pas butant contre les murs, les fenêtres, les portes. L’artiste sollicita une danseuse qui se mouva dans l’espace de la villa en transportant un de ces objets, une sculpture d’une fontaine à bière où une boussole a été incrustée. Les mouvements de la danseuse retranscrivent un trajet aussi balisé que fatal. Les travaux artistiques de Lormeau sont des outils d’intercessions qui entraînent une rencontre, un questionnement, un dialogue.

> Parcours 2024

Karim Kal, né en 1977, vit à Lyon et travaille entre la France et l’Algérie. Diplômé à l’École Supérieure des Beaux-Arts de Grenoble (DNSEP) en 2003, il poursuit ses études en Suisse, plus particulièrement à Vevey, au sein de l’École de Photographie.
L’artiste s’intéresse aux conditions de vie des plus modestes, des deux côtés de la Méditerranée. Il entreprend ses travaux comme des démarches documentaires qui dessinent les contours sociaux et politiques de ces environnements à travers la photographie d’espace public. La présence humaine est au centre de son travail, interrogeant les traces laissées par la culture et l’Histoire.
Dans le cadre de sa résidence à Meyzieu, commune de Lyon, l’artiste a proposé aux pensionnaires de l’établissement pénitentiaire pour mineurs du quartier, de lui offrir leur point de vue sur leur issue vers l’extérieur depuis l’intérieur. Il participera en 2019, à la 15^e Biennale d’Art Contemporain de Lyon « Là où les eaux se mêlent ».
Ses œuvres ont intégré plusieurs collections permanentes d’institutions muséales : à titre d’exemple, quatre de ses photographies se trouvent aujourd’hui au sein de la collection du MAMC+ à Saint-Étienne. Il a récemment obtenu, en 2023, le Prix HCB décerné par la Fondation Henri Cartier-Bresson.

> Parcours 2024

Artiste Franc-Comtois, Thierry Géhin obtient avec les félicitations du jury un diplôme à l’École Nationale des Beaux-Arts de Lyon (DNSEP), avant d’y effectuer un post-diplôme Art et Media. Il a réalisé plusieurs commandes publiques et son travail fait partie de collections. Travaillant la photographie et la vidéo, il s’inscrit également dans les pratiques de l’installation et de la sculpture à partir des années 2000. Sa pratique artistique questionne l’espace habité et ses représentations. Lieux et mémoire sont en dualité dans ses œuvres, mêlant réalité et imaginaire. Ses installations sont principalement in situ, témoignant de sa capacité aiguë à percevoir le potentiel d’un lieu. Il expose tout aussi bien au sein de l’Hexagone qu’à l’international (MNBA de Santiago du Chili, Villa Kujoyama…). Il reçoit en 1997 le Prix fiction MAC de Lyon.
Exposer dans une église ne lui est pas inconnu. En 2015, sur une invitation de Viviane Ivol conservatrice en chef du patrimoine, il réalise une installation in situ, Huit cellules, dans l’église prieurale Saint-Marie-Madeleine, à Marast (France), qui s’étend sur tout l’espace de la nef, ainsi que dans l’abside. L’œuvre s’inspire de l’histoire du lieu qui fut habité par les chanoines soumis à la règle de Saint Augustin et dont on sait qu’ils n’ont jamais été plus de huit à vivre dans ce prieuré.

www.thierrygehin.net

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Gilles Furtwängler voit le jour à Lausanne en 1982, il vit et travaille entre Johannesburg et Lausanne. Il fût diplômé de l’École Supérieure d’Art de Lausanne (ECAL) en 2006. Durant ses études, il développe un travail artistique basé autour du texte, utilisant les mots comme déclencheur de sa production visuelle. C’est de cette manière qu’il s’adonne à l’utilisation de médiums tels que le dessin, la peinture et l’impression comme supports plastiques pour ses textes. L’artiste tente à travers ses productions artistiques de remettre en question les modes de pensée et de représentations de notre époque.
Gilles Furtwängler présente régulièrement son travail lors d’expositions personnelles et collectives en Suisse et à l’internationale (France, Russie, Grèce, Allemagne, Espagne, Afrique du Sud…). Il gagne en 2014 le Prix Quark à Genève et en 2015 le Prix fédéral d’art (Swiss Art Awards). Il est également membre de l’association CIRCUIT Centre d’Art Contemporain et fondateur de l’émission « Revenir et dire ça » sur la radio internet basée à Paris, *DUUU. Il est soutenu par ProHelvetia.

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Anne Fischer est une artiste designer, diplômée en 2016 de la Design Académie d’Eindhoven.
Selon elle, le design a un impact majeur sur l’avenir de notre planète. L’artiste est fascinée par la nature et le végétal. Ses travaux artistiques explorent des sujets liés à la science, à la botanique, à l’ethnobotanique, à la santé, à l’artisanat et aux propriétés des matériaux. Anne Fischer expérimente la matière, traitant de thèmes comme le bien-être humain mais aussi le bien-être de notre planète.

www.annefischer.fr

> Parcours 2024

Née en 1988, Gaëlle Cognée est diplômée de l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Lyon et de l’École Nationale Supérieure des Arts de Paris-Cergy. Reconnue pour privilégier sa pratique dans des projets collaboratifs, elle initie en 2009 l’exposition « Plafond », qui mettait l’accent sur la création in situ. Une approche contextuelle du lieu se retrouve dans son travail personnel, principalement axé sur la vidéo, la photo, l’écriture et la performance. Pour créer, l’artiste se nourrit de lieux dans lesquels on ne l’attend pas. Elle s’inspire des histoires de ces lieux et de l’Histoire, au moyen de différentes formes de récits.
Gaëlle Cognée était en résidence au FRAC en 2021. Elle y monta un projet vidéo qui mettait en lumière le mythe de Jeanne d’Arc. Le projet se fonde sur un travail collaboratif à travers des récits, existants ou fantasmés de l’histoire de Jeanne d’Arc, dans le but de proposer une version non linéaire et non chronologique de son histoire.
En parallèle de la biennale d’Art en Chapelles, elle réalisera, en 2024, la seconde exposition personnelle de sa carrière, au 19 CRAC à Montbéliard.