Catégorie : Artistes

> Itinerario 2024

Artista francese, Jeanne Tara ha studiato arte visiva alla Haute École d’Art et Design de Genève (HEAD), poi pratica artistica all’École de Recherche Graphique di Bruxelles. Inizialmente si concentra sulla pittura e sul disegno, ma pratica anche la scultura e l’installazione spaziale.
Prima di dedicarsi alle arti visive, Jeanne Tara si è formata nella danza classica e contemporanea. Questi anni di danza hanno segnato il suo rapporto con il corpo e la gestualità. Nella sua pratica artistica interroga gli spettatori attraverso installazioni immersive in cui i visitatori possono vagare, il tutto in una ricerca sul corpo e sul territorio. In che modo la natura di un luogo influenza i corpi? Come interagiamo con gli oggetti nel nostro ambiente?
Nel 2015, Jeanne Tara ha ricevuto il Premio Caran-d’Ache. Continua ad evolversi e a mettere in risalto il suo lavoro grazie a numerose residenze, in particolare alla residenza RITA a Turbigo in Italia, a La Chaux de Fonds in Svizzera o anche nel Mar Mediterraneo con la barca a vela Bise Noire.

jeannetara.com

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Artista multidisciplinare franco-iraniana, Golnaz Payani è nata a Teheran nel 1986. Lì ha conseguito la laurea in Pittura presso la Facoltà di Arte e Architettura. Nel 2009 ha lasciato il suo paese natale per la Francia, dove ha continuato i suoi studi. Ha conseguito il Diploma Nazionale Superiore in Espressione Plastica (DNSEP) presso la Scuola d’Arte di Clermont-Ferrand nel 2013.
“La mia partenza per la Francia ha avuto una notevole influenza sul mio lavoro plastico. Ho sviluppato il mio interesse per ciò che ora era fuori dalla vista, scomparso e invisibile e mi sono riconnesso al mio amore per i tessuti”. Le sue opere esplorano vari media come video, installazioni, performance, poesia e lavori su tessuti. Questi ultimi, onnipresenti nelle sue opere, affascinano per la loro capacità di nascondere così come di rivelare, di riunire il visibile e l’invisibile. Secondo lei, i tessuti “fanno sia un confine che un collegamento”.

www.golnazpayani.com

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Nicolas Muller è nato a Strasburgo nel 1983, vive e lavora a Ginevra. Nel 2006 si è laureato all’École Supérieure d’Art de Metz (DNSEP) e nel 2007 ha completato un post-laurea in media art presso la Haute École d’Art et de Design di Ginevra. Ha beneficiato di residenze a Berlino, alla Villa du Parc di Annemasse, al Frac de Champagne-Ardenne…
Il suo approccio artistico si concentra principalmente su pittura, disegno, incisione, scultura, installazione e tecniche miste.
Nel 2021 è stato il vincitore del concorso Halle Nord e nel 2022 è stato finalista del concorso artistico 1% per l’isola di Yeu. Alcune delle sue opere sono state acquisite dal Jenisch Museum di Vevey e dalla FCAC di Ginevra.

www.nicolasmuller.com

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Artista con sede a Parigi, Silvana Mc Nulty ha iniziato i suoi studi nel 2013 nel campo della gioielleria presso l’AFEDAP di Parigi e presso la Holts Academy of Jewellery di Londra. Ha continuato i suoi studi ad Amsterdam presso la Gerrit Rietveld Academie dove si è laureata in arte e design. Continuerà il suo apprendistato presso la Haute École des Art du Rhin di Strasburgo (HEAR) nel 2019.
Il suo lavoro artistico si trova al crocevia tra scultura, installazione e gioielleria. La sua pratica della tessitura le permette di assemblare materiali organici e artificiali: perle, semi, metalli, plastica… Crea così oggetti ibridi che suscitano confusione nello spettatore. Questa personale tecnica di assemblaggio nasce da un approccio guidato dal desiderio di progettare le sue opere sulla scala della mano. Il suo lavoro ruota attorno alla materia, materia in movimento che si adatta allo spazio con cui entra in contatto.

www.silvanamcnulty.com

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Nato nel 1962, Frédéric Lormeau vive e lavora a Digione. Ha conseguito un master in Arti visive e Scienze dell’arte presso l’Università di Parigi 1 Sorbona nel 1985, dove si è laureato con il massimo dei voti. Da allora ha continuato ad accumulare mostre personali e collettive.
L’artista e la sua opera plastica non possono essere facilmente categorizzati. Il lavoro di Lormeau è a metà strada tra scultura e pittura. Le sue opere sono una sorta di “composito” che non esiste solo attraverso la loro estetica. L’artista interroga l’oggetto, la sua forma, il suo futuro materiale, il suo scopo.
Nel 1995, durante la mostra Cinq/Funf alla Villa Streccius di Laudau, casa appartenuta a una famiglia ebrea, Lormeau immagina i passi della giovane ragazza di casa, passi che inciampano contro muri, finestre, porte. L’artista ha richiesto una ballerina che si muovesse per gli spazi della villa portando con sé uno di questi oggetti, una scultura raffigurante una fontana di birra in cui era intarsiata una bussola. I movimenti della ballerina trascrivono un viaggio tanto segnato quanto fatale. Le opere artistiche di Lormeau sono strumenti di intercessione che portano a un incontro, a un interrogativo, a un dialogo.

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Karim Kal, nato nel 1977, vive a Lione e lavora tra Francia e Algeria. Laureato all’École Supérieure des Beaux-Arts de Grenoble (DNSEP) nel 2003, ha continuato i suoi studi in Svizzera, più in particolare a Vevey, presso la Scuola di Fotografia.
L’artista è interessato alle condizioni di vita delle persone più modeste su entrambe le sponde del Mediterraneo. Intraprende il suo lavoro con approcci documentaristici che disegnano i contorni sociali e politici di questi ambienti attraverso la fotografia di spazi pubblici. La presenza umana è al centro del suo lavoro, mettendo in discussione le tracce lasciate dalla cultura e dalla Storia.
Nell’ambito della sua residenza a Meyzieu, comune di Lione, l’artista ha chiesto ai residenti del penitenziario minorile locale di offrire il loro punto di vista sulla loro uscita dall’interno verso l’esterno. Nel 2019 parteciperà alla 15a Biennale d’Arte Contemporanea di Lione “Dove le acque si mescolano”.
Le sue opere sono state incluse in diverse collezioni permanenti di istituzioni museali: ad esempio, quattro delle sue fotografie sono oggi nella collezione MAMC+ di Saint-Étienne. Nel 2023, ha recentemente vinto il Premio HCB assegnato dalla Fondazione Henri Cartier-Bresson.

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Artista della Franca Contea, Thierry Géhin ottiene con i complimenti della giuria un diploma all’École Nationale des Beaux-Arts de Lyon (DNSEP). Lavorando nel campo della fotografia e del video, fa parte anche delle pratiche di installazione e scultura degli anni 2000. La sua pratica artistica interroga lo spazio abitato e le sue rappresentazioni. Luoghi e memoria sono in dualità nelle sue opere, mescolando realtà e immaginazione. Le sue installazioni sono prevalentemente in situ, a testimonianza della sua acuta capacità di percepire le potenzialità di un luogo. Espone sia in Francia che a livello internazionale (MNBA di Santiago del Cile, Villa Kujoyama…). Nel 1997 ha ricevuto a Lione il premio MAC di narrativa.
Esporre in una chiesa non gli è sconosciuto. Nel 2006, ha realizzato una serie di cinque fotografie che mettono in risalto il motivo di un muro di pietra dipinta all’interno della chiesa di Fouvent-Le-Haut e il motivo del tetto del campanile della chiesa di Roche-Raucourt. Tutte le fotografie sono state presentate nella navata di quest’ultima dall’associazione d’arte contemporanea AAC.

www.thierrygehin.net

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Gilles Furtwängler è nato a Losanna nel 1982, vive e lavora tra Johannesburg e Losanna. Si è laureato all’École Supérieure d’Art de Lausanne (ECAL) nel 2006. Durante i suoi studi, ha sviluppato un lavoro artistico basato sul testo, utilizzando le parole come stimolo per la sua produzione visiva. È in questo modo che si dedica all’uso di mezzi come il disegno, la pittura e la stampa come supporti plastici per i suoi testi. L’artista tenta, attraverso le sue produzioni artistiche, di mettere in discussione i modi di pensare e le rappresentazioni del nostro tempo.
Gilles Furtwängler presenta regolarmente il suo lavoro in mostre personali e collettive in Svizzera e all’estero (Francia, Russia, Grecia, Germania, Spagna, Sud Africa, ecc.). Nel 2014 ha vinto il Quark Prize a Ginevra e nel 2015 i Federal Art Awards (Swiss Art Awards). È anche membro dell’associazione CIRCUIT Centre d’Art Contemporain e fondatore della trasmissionne « Revenir et dire ça » sulla radio Internet con sede a Parigi, *DUUU. È sostenuto da ProHelvetia.

> Itinerario 2024

Anne Fischer è un’artista designer, diplomata nel 2016 alla Design Academy Eindhoven. Secondo lei, il design ha un impatto importante sul futuro del nostro pianeta. L’artista è affascinato dalla natura e dalle piante. Le sue opere artistiche esplorano argomenti legati alla scienza, alla botanica, all’etnobotanica, alla salute, all’artigianato e alle proprietà dei materiali. Anne Fischer sperimenta la materia, affrontando temi come il benessere umano ma anche il benessere del nostro pianeta.

www.annefischer.fr

> Itinerario 2024

Nata nel 1988, Gaëlle Cognée si è laureata all’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts di Lione e all’École Nationale Supérieure des Arts de Paris-Cergy. Riconosciuta per aver favorito la sua pratica in progetti collaborativi, nel 2009 ha avviato la mostra “Plafond”, incentrata sulla creazione in situ. Un approccio contestuale al luogo si ritrova nel suo lavoro personale, focalizzato principalmente su video, fotografia, scrittura e performance. Per creare, l’artista trae ispirazione da luoghi dove
non la si aspetta. Si ispira alle storie di questi luoghi e alla Storia, attraverso diverse forme di narrazione.
Gaëlle Cognée è stata in residenza al FRAC nel 2021. Qui ha realizzato un progetto video che metteva in risalto il mito di Giovanna d’Arco. Il progetto si basa sul lavoro collaborativo attraverso racconti esistenti o fantasticati sulla storia di Giovanna d’Arco, con l’obiettivo di offrire una versione non lineare e non cronologica della sua storia.
Parallelamente alla biennale Art en Chapelles, nel 2024 terrà la seconda mostra personale della sua carriera, al 19 CRAC di Montbéliard.

> Parcours 2022

Sébastien Thiéry est docteur en sciences politiques et enseignant à l’École Nationale Supérieure d’Architecture de Paris Malaquais. En 2012, il fonde, avec le paysagiste Gilles Clément, le PEROU – Pôle d’Exploration des Ressources Urbaines – un collectif de chercheurs, d’architectes, d’artistes venus apporter une intelligence et un regard sur « la jungle » qu’il analyse comme un phénomène nouveau, une sorte d’ovni urbanistique, architectural et humain. Auteur de plusieurs livres et films, il participe également au comité éditorial de la revue Multitudes. Pensionnaire à la Villa Médicis en 2019-2020, il y coordonne une requête auprès de l’Unesco, avec divers auteurs autour de la Mer Méditerranée, visant à faire inscrire l’acte d’hospitalité au Patrimoine ulturel immatériel de l’humanité.
Association loi 1901, le PEROU est un laboratoire de recherche-action sur les confins de nos villes (bidonvilles, jungles, squats, refuges en tout genre) et les gestes, formes, actes d’hospitalité qui s’y inventent. Il est conçu pour faire s’articuler action sociale et action architecturale. Se référant aux droits fondamentaux européens de la personne et au « droit à la ville » qui en découle, le PEROU se veut un outil au service de la multitude d’indésirables, communément comptabilisés comme cas sociaux voire ethniques, mais jamais considérés comme habitants à part entière.
Alors que se généralise une politique aussi violente qu’absurde n’ouvrant que sur des impasses humaines (expulsions, destructions, plans d’urgence sans issues, etc…) le PEROU veut faire se multiplier des ripostes constructives, attentives aux hommes, respectueuses de leurs fragiles mais cruciales relations au territoire, modestes mais durables.

> Parcours 2022

Prune Simon-vermot, née en 1987 à La Chaux-de-Fonds, y vit et travaille entre La Chaux-de-Fonds et Lausanne. Après le lycée Blaise Cendrars de La Chaux-de-Fonds (2002-2005), elle suit des études en communication visuelle à la HEAD à Genève (2006-2010). Assistante six mois du photographe lausannois Matthieu Gafsou et soucieuse d’affiner sa pratique, elle entre à l’Ecal à Lausanne en Master Art Direction photographie (2011-2013). En juillet 2013 elle reçoit le prix Exécal et la bourse de la relève photographique de Prohelvetia. Son travail fait partie de plusieurs collections, institutionnelles, publiques ou privées, ainsi la collection d’art de la ville de Deauville, de la Banque Cantonale Vaudoise, la collection Olivier Mosset.
Elle participe depuis 2011 à des expositions personnelles ou collectives, à l’Élac (espace lausannois d’art contemporain), au musée des Beaux-Arts de La Chaux-de-Fonds, à PhotoBasel. Nommée aux bourses fédérales de design en 2019, elle est aujourd’hui photographe au musée d’ethnographie de Neuchâtel, co-curatrice, avec l’artiste Denis Roueche, de l’espace d’art Palais à Neuchâtel et chargée de cours à l’Écal à Lausanne.

> Parcours 2022

Olivier Toulemonde, né en 1972, vit et travaille à Besançon. Issu de la musique concrète, Olivier Toulemonde a pris l’habitude d’écouter à l’intérieur des sons, puis d’en révéler les contours. Il en a développé une relation intime au bruit – celui qui nous entoure, celui qui résonne en nous, celui qui fait musique. Et c’est cette question du sonore qui façonne son travail artistique, que ce soit en tant que plasticien, musicien, compositeur ou réalisateur radio. Dans son travail d’installation, sa démarche consiste le plus souvent à enregistrer des sons et/ou des paroles, puis les agencer de façon à les faire dialoguer entre eux, ainsi qu’avec l’architecture du lieu. Le dispositif de diffusion, spécifique à chaque espace, est conçu comme une invitation à l’écoute en profondeur, dans laquelle la perception de l’auditeur est intimement reliée à l’espace dans lequel il évolue. Le silence, la matérialité du son, la parole, le timbre de la voix, le récit en creux, les hésitations du langage et le son ordinaire du quotidien sont autant de marqueurs essentiels dans le travail sonore d’Olivier Toulemonde.

www.olivier-toulemonde.com

> Parcours 2022

Matthew McCaslin est un artiste américain né en 1957 à New York. Il vit et travaille à Brooklyn. Il débute sa carrière au sein de la jeune génération d’artistes américains de la fin des années 80 qui manifeste un goût prononcé pour l’objet. Il en interroge pour sa part le statut, non plus pour célébrer la société de consommation, comme l’ont fait au préalable les artistes du Pop art, mais pour en manifester le désenchantement.
Matthew McCaslin est connu pour ses vidéos et ses sculptures réalisées à partir d’objets de la vie quotidienne apparemment agencés de façon chaotique, dans un désordre faisant parfois songer à des chantiers abandonnés. Tout comme les artistes de l’Antiform, courant dont Robert Morris écrit le manifeste en 1968 pour marquer son opposition au minimalisme, Matthew McCaslin expérimente des matériaux réputés non sculpturaux tel que le tissu, les câbles ou des spots. Il obtient ainsi des œuvres souples, molles, informes qui contredisent et questionnent les définitions traditionnelles de la sculpture. L’œuvre Bedded Bed, composée de 150 couvertures empilées, évoque un lit à première vue confortable et accueillant. Mais l’origine des couvertures, récupérées par l’artiste auprès des hôpitaux et ayant appartenu à des personnes sans-abris ou à des malades, suscite au contraire un malaise. Derrière cette ambiguïté pointe en fait ici une critique sociale, l’artiste rendant visible ce qu’on ne veut pas voir.

matthew-mccaslin.com

> Parcours 2022

Née en 1988, vit et travaille en Côte-d’Or. Son travail se déploie via la sculpture et l’installation, mais aussi par la photographie et le dessin. « L’artiste joue des effets de symétrie ; entre profondeur et hauteur, caché et visible, forme produite et matière brute. Intuitivement, par la dynamique créée entre expérimentation et réflexion, le travail de Marion Lemaître, rejoint un des principes formulé par Paul Klee : le travail artistique doit désormais trouver son origine, son point de commencement dans le contradictoire, l’ambivalent. »
Sillonnant les passages étroits des grottes ou des lignes de crêtes, l’artiste met à jours ces espaces limitrophes, entre-deux, qui sont autant frontières que points de jonctions, et qui entrent en résonance avec le concept de point gris que Klee définissait ainsi dans l’espace pictural : « ce point est gris parce qu’il n’est ni blanc ni noir ou parce qu’il est blanc tout autant que noir. il est gris parce qu’il n’est ni en haut ni en bas ou parce qu’il est en haut autant qu’en bas. Gris parce qu’il n’est ni chaud ni froid. gris parce que point nondimensionnel, point entre les dimensions et à leur intersection, au croisement des chemins. »

www.lemaitremarion.com

> Parcours 2022

Lyse Fournier est installée à Bordeaux depuis 2013. En 2014, elle intègre l’atelier collectif La Réserve-Bienvenue dont elle est membre active. Cet artist-run-space est avant tout un lieu de travail mais se fédère autour de projets communs et organise des événements et des résidences. Elle développe un travail sur le paysage au travers du médium photographique. Lauréate du Prix Impression Photographique III des Ateliers Vortex, elle a présenté son travail au Musée de la Photographie Nicéphore Nièpce à Chalon-sur-Saône en 2018. La même année elle a participé au programme Post-Production #2 du Centre d’art — Maison Des Arts Georges & Claude Pompidou dans le Lot. Ces derniers événements ont opéré un tournant décisif dans sa recherche artistique développant ainsi une pratique plus sculpturale. En 2020 elle présente Jet Stream, une exposition personnelle à Bordeaux chez Éponyme Galerie. En 2021, elle participe à plusieurs expositions collectives dont Upside Down chez DOC! à Paris curatée par Lena Peyrard et Le Club du poisson Lune au CAPC à Bordeaux curatée par Cédric Fauq.
En résidence l’été dernier, elle a poursuivi sa recherche au Centre d’Art de Flaine, en Haute-Savoie.
“ Je photographie des paysages, des motifs que je répète. ce sont des natures vues et fantasmées, des récits. Je construis des hybrides, des paysages hasardeux et poétiques. ils se situent aux frontières du réél et de la fiction. C’est sur cette perception, ce moment où la mémoire et la sensation se mélangent, que se construisent mes images. Je me plonge dans des ambiances, mes souvenirs se brouillent, deviennent flous, se crée alors comme un Mnémosyne. Les rapports d’échelles varient, je compose avec le vrai, le fragmente. Je mélange les esthétiques, ce sont des survivances. Mon approche est picturale, je travaille la couleur, la lumière ; je fais des images-peintures. Je me concentre sur des textures, des nuances. J’utilise l’image pour ce qu’elle est, un matériau. Je l’imprime sur différents supports en m’attachant à sa dimension physique. en lui donnant du volume, elle devient sculpture ou installation. “

lysefournier.com

> Parcours 2022

Laurent Guenat est né à Bienne en 1954 et est originaire du Noirmont dans le Jura suisse. Il vit à Sainte-Croix et travaille aux Verrières et à Sainte-Croix. Il quitte son emploi en 1988 pour se consacrer à la recherche artistique. Il pratique la peinture, le plus souvent en grand format, et l’écriture. Il crée des livres d’artiste uniques à partir de cartons d’emballages qu’il relie, et qu’il considère comme ses laboratoires. Il a aussi pratiqué la poésie sonore en compagnie d’un contre-bassiste et publié deux CD. Il a exposé en France (Nice, Kaysersberg, Pont-de-Roide, château de Joux), au Caire et en Suisse.
« Chez Laurent Guenat, l’acte de peindre tient de l’engagement. il met en forme un regard critique posé sur ce qui entrave l’Homme dans l’expression de son énergie primitive. Le travail de l’artiste témoigne des bouillonnements de la vie dans cette lutte perpétuelle pour s’extraire des enfermements qui aliènent. Le spectateur est ainsi entraîné dans un processus de questionnements. »
Géraldine Veyrat, historienne d’art

> Parcours 2022

Pour Julie Chaffort, le cinéma est un médium dominant, naturel, qu’elle choisit très tôt de développer, à l’école des Beaux-arts de Bordeaux où elle étudie, puis auprès de Roy Andersson qu’elle assiste en Suède, et de Werner herzog dont elle suit le séminaire à sa Rogue Film School à NewYork.
Les vidéos de Julie Chaffort mirent le paysage, le toisent et le parcourent ; on y croise des hommes au destin tragique et des héros aussi beaux que les chants qui les accompagnent – peut être pour en donner la mesure. Les gestes accomplis sont tout à la fois drôles et absurdes, l’avenir toujours incertain et les paroles s’envolent, attrapées par les branches d’une forêt ou englouties dans les eaux d’un lac. Les récits s’écrivent entre les longs plans-séquence et se devinent dans les détails que la lenteur permet d’observer comme l’on admire une nature morte. L’artiste ouvre des univers parallèles, atemporels et insituables, où le monde se signale à nous par ses infimes déplacements et l’infinité de ses signaux – étrangement menaçants. Julie Chaffort expose en France et à l’international. Son dernier film Légendes était en compétition officielle française et en compétition CNAP du FIDMarseille 2020. Ses œuvres font parties de collections nationales et privées. Née en 1982, elle vit à Bordeaux et travaille en France.

www.julie-chaffort.com

> Parcours 2022

“ Plutôt que de m’attacher à un médium de prédilection, je préfère imaginer des approches répondant au plus juste à chaque nouveau projet. J’œuvre ainsi dans des techniques et domaines variés, peinture, gravure, sérigraphie, objets, textes. Parfois autobiographiques, mes projets s’inspirent du quotidien et s’intéressent à l’humain, dans un regard où l’humour se fait à la fois tendre et piquant. Des supports improbables définissent certaines créations, comme les autoportraits sur biscuits de Petit monde au beurre noir, les Biodiversités de nez collectionnés dans des alvéoles à chocolat, la robe tricotée en cassettes audio de Janis John‘n Joe, ou les peintures sur toasts et fromage de la série Croque-messieurs.
Quant à mon parcours, en voici l’essentiel : licence en lettres, formation artistique à l’université de Berne, à l’ESAV à Genève et au Département artistique de la Florida State University, pour me perfectionner en sérigraphie, et résider dans les ateliers de Nexus Press, à Atlanta, une fondation dédiée à la production de livres d’artistes. aujourd’hui, parallèlement à la poursuite de mon travail artistique que j’expose régulièrement, j’occupe un poste de médiation culturelle au musée d’art de Neuchâtel, j’enseigne la création à l’école d’art appliqué de la Chaux-de-Fonds et j’anime des ateliers de création pour adultes. Ces activités, et le contact avec un public très divers, nourrissent et inspirent mes recherches personnelles.”

www.genevieve-petermann.ch

> Parcours 2022

Charlotte Moth, née en 1978 au Royaume-Uni, vit à Paris depuis 2008. Sa façon processuelle de travailler révèle une œuvre menant à l’autre, non pas dans une progression linéaire mais plutôt comme un réseau de nombreuses directions. Inscrites dans la situation d’un lieu, réagissant aux caractéristiques de l’architecture, de nombreuses œuvres sont recréées pour chaque exposition avec une interprétation in situ. Moth part à la découverte du mystérieux dans le familier.
En 2017, elle a été l’une des quatre nominées pour le Prix Duchamp, remis au Centre Pompidou, à Paris. Ses principales expositions à ce jour incluent : Group exhib Light and Language – Lismore Castle Ireland Cur, Lisa Le Feuvre (2021) Solo exhib Enjambment, Marcelle Alix, Paris, (2020) – Colección XVI, Centro de Arte Dos de Mayo, Madrid, (2019) – Voir en se déplaçant, MIT–List Visual Arts Center, Boston (2017) – Carnet de voyage, Kunstmuseum Liechtenstein (2016) – Tate Britain, Archive Room, Londres – Fondation Esker, Calgary (2015) – Centre d’art contemporain, Genève (2012) – Fondation Serralves, Porto (2011).

> Parcours 2022

Dans sa pratique, Arnaud Vasseux donne une place déterminante aux phénomènes, aux matériaux et à leurs manipulations dans l’élaboration du sens. Il s’interroge sur les processus qui font advenir les formes à partir de matériaux qui traversent plusieurs états comme le plâtre, le béton, la résine, la cire ou le verre. Ses sculptures combinent fragilité, instabilité et résistance. Il met en jeu les notions de spatialités, de temps et de lieu par l’exploration des possibilités issues des techniques du moulage et de l’empreinte.
La confrontation à l’espace physique et l’exploration des lieux où il intervient l’ont conduit depuis une quinzaine d’années à réaliser une série d’œuvres éphémères – Les Cassables – construites à même le lieu, faisant de l’exposition un lieu d’expériences, d’hypothèses et de récits.

documentsdartistes.org/vasseux