Catégorie : Artistes

> Route 2024

A french artist, Jeanne Tara studied visual art at the Haute École d’Art et Design de Genève (HEAD) then art practice at the École de Recherche Graphique in Brussels. Originally, she focused on painting and drawing but she also practices sculpture and spatial installation.
Before devoting herself to the visual arts, Jeanne Tara trained in classical and contemporary dance. These years of dancing marked her relationship with the body and gestures. In her artistic practice, she questions spectators through immersive installations in which visitors can wander, all in a research on the body and the territory. How does the nature of a place influence bodies? How do we interact with objects in our environment?
In 2015, Jeanne Tara was awarded the Caran-d’Ache Prize. She continues to evolve and highlight her work thanks to numerous residencies, notably at RITA residenzia in Turbigo in Italy, at La Chaux de Fonds in Switzerland or even in the middle of the Mediterranean Sea with the sailboat Bise Noire.

jeannetara.com

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A Franco-Iranian multidisciplinary artist, Golnaz Payani was born in Tehran in 1986. She obtained a degree in Painting at the Faculty of Art and Architecture. In 2009, she left her native country for France, where she continued her education. She then graduated from the National Supérieure d’Expression Plastique (DNSEP) at the Clermont-Ferrand School of Art in 2013.
“My departure for France had a considerable influence on my plastic work. I developed my interest in what was now out of sight, disappeared and invisible and reconnected with my love of fabric.” Her works explore various mediums such as video, installation, performance, poetry as well as work on fabrics. The latter, omnipresent in his works, fascinate with their capacity to hide as well as to reveal, to bring together the visible and the invisible. According to her, textiles “act as both a border and a link”.

www.golnazpayani.com

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Nicolas Muller was born in Strasbourg in 1983, he lives and works in Geneva. In 2006, he graduated from the École Supérieure d’Art de Metz (DNSEP) then completed a postgraduate in media art in 2007 at the Haute École d’Art et de Design de Genève. He has benefited from residencies in Berlin, at the Villa du Parc in Annemasse, at the Frac de Champagne-Ardenne…
His artistic approach mainly focuses on painting, drawing, engraving, sculpture, installation and mixed media.
In 2021, he was the winner of the Halle Nord competition, and in 2022, he was a finalist in the 1% artistic competition for the island of Yeu. Some of his works were acquired by the Jenisch Museum in Vevey and the FCAC in Geneva.

www.nicolasmuller.com

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An artist based in Paris, Silvana Mc Nulty began her studies in 2013 in the field of jewelry at AFEDAP in Paris and the Holts Academy of Jewelery in London. She continued her education in Amsterdam at the Gerrit Rietveld Academie from which she graduated in art and design.
She continued her apprenticeship at the Haute École des Arts du Rhin in Strasbourg (HEAR) in 2019.
His artistic work lies at the crossroads of sculpture, installation and jewelry. Her practice of weaving allows her to assemble organic and artificial materials: pearls, seeds, metals, plastics… She thus creates hybrid objects that arouse confusion in the viewer. This personal assembly technique comes from an approach guided by the desire to design his works on the scale of the hand. His work revolves around matter, matter in movement which adapts to the space with which it comes into contact.

www.silvanamcnulty.com

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Born in 1962, Frédéric Lormeau lives and works in Dijon. He completed a master’s degree in Visual Arts and Art Sciences at the University of Paris 1 Sorbonne in 1985, where he graduated with high honors. Since then, he has continued to accumulate personal and collective exhibitions.
The artist and his plastic works cannot easily be cataloged. Lormeau’s work is halfway between sculpture and painting. His works are a kind of “composite” which does not exist solely through their aesthetics. The artist questions the object, its form, its material future, its purpose.
In 1995, during the Cinq/Funf exhibition at the Villa Streccius in Laudau, a house that belonged to a Jewish family, Lormeau imagined the steps of the young girl of the house, steps stumbling against walls, windows, doors. The artist requested a dancer who moved around the space of the villa carrying one of these objects, a sculpture of a beer fountain in which a compass was inlaid. The dancer’s movements transcribe a journey as marked as it is fatal. Lormeau’s artistic works are tools of intercession which lead to an encounter, a questioning, a dialogue.

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Karim Kal, born in 1977, lives in Lyon and works between France and Algeria. Graduated from the École Supérieure des Beaux-Arts de Grenoble (DNSEP) in 2003, he continued his studies in Switzerland, more particularly in Vevey, at the School of Photography.
The artist is interested in the living conditions of disadvantaged on both sides of the Mediterranean. His work takes the form of documentary approaches which draw the social and political contours of these environments through the photography of public spaces. The human presence is at the center of his work, questioning the traces left by culture and History.
As part of his residency in Meyzieu, a commune in Lyon, the artist asked the residents of the local minors’ penitentiary to offer their point of view on their exit to the outside from the inside.
His works have been included in several permanent collections of museum institutions; for example, four of his photographs are now in the MAMC+ collection in Saint-Etienne. In 2023, he recently won the HCB Prize awarded by the Henri Cartier-Bresson Foundation.

> Route 2024

Artist from Franche-Comté, Thierry Géhin graduated with a cum laude distinction from the École Nationale des Beaux-Arts de Lyon (DNSEP). Working in photography and video, he is also takes part in practices of installation and sculpture from the 2000s. His artistic practice questions inhabited space and its representations. Places and memory work in duality in his works, mixing reality and imagination. His installations are mainly in situ, testifying to his acute ability to perceive the potential of a site. His exhibitions can be viewed both in France and abroad (MNBA of Santiago de Chile, Villa Kujoyama…). In 1997 he received the MAC fiction prize in Lyon.
Exhibiting in a church is not unknown to him. In 2006, he produced a series of five photographs highlighting the motif of a painted stone wall inside the church of Fouvent-Le-Haut and the motif of the roof of the bell tower of the church of Roche-Raucourt. All the photographs were presented in the nave of the latter by the contemporary art association AAC.

www.thierrygehin.net

> Route 2024

Gilles Furtwängler was born in Lausanne in 1982, he lives and works between Johannesburg and Lausanne. He graduated from the École Supérieure d’Art de Lausanne (ECAL) in 2006. During his studies, he developed artistic work based around text, using words as a trigger for his visual production. It is in this way that he devotes himself to the use of mediums such as drawing, painting and printing as plastic supports for his texts. The artist attempts, through his artistic productions, to question the ways of thinking and representations of our time.
Gilles Furtwängler regularly presents his work in personal and group exhibitions in Switzerland and internationally (France, Russia, Greece, Germany, Spain, South Africa, etc.). In 2014 he won the Quark Prize in Geneva and in 2015 the Federal Art Awards (Swiss Art Awards). He is also a member of the CIRCUIT Center d’Art Contemporain association and founder of the show “Revenir et dire ça” on the Paris-based internet radio. It is supported by ProHelvetia.

> Route 2024

Anne Fischer is an artist designer, graduated in 2016 from the Design Academy Eindhoven. According to her, design has a major impact on the future of our planet. The artist is fascinated by nature and plants. Her artistic works explore topics related to science, botany, ethnobotany, health, crafts and material properties.
Anne Fischer experiments with material, dealing with themes such as human well-being but also the well-being of our planet.

www.annefischer.fr

> Route 2024

Born in 1988, Gaëlle Cognée graduated from the École Nationale Supérieure des Beaux-Arts in Lyon and the École Nationale Supérieure des Arts de Paris-Cergy. Recognized for favoring her practice in collaborative projects, in 2009 she initiated the exhibition “Plafond”, which focused on in situ creation. A contextual approach to place which is reflected in his personal work, mainly focused on video, photography, writing and performance. To create, the artist draws inspiration from places where he is not expected. She is inspired by the stories of these places and History, through different forms of storytelling.
Gaëlle Cognée was in residence at the FRAC in 2021. There, she worked on a video project there which highlighted the myth of Joan of Arc. The project is based on collaborative work through existing or fantasized stories of the history of Joan of Arc with the aim of offering a non-linear and non-chronological version of her story.
In parallel with the Art en Chapelle biennial, in 2024 she will hold the second personal exhibition of her career, at 19 CRAC in Montbéliard.

> Parcours 2022

Sébastien Thiéry est docteur en sciences politiques et enseignant à l’École Nationale Supérieure d’Architecture de Paris Malaquais. En 2012, il fonde, avec le paysagiste Gilles Clément, le PEROU – Pôle d’Exploration des Ressources Urbaines – un collectif de chercheurs, d’architectes, d’artistes venus apporter une intelligence et un regard sur « la jungle » qu’il analyse comme un phénomène nouveau, une sorte d’ovni urbanistique, architectural et humain. Auteur de plusieurs livres et films, il participe également au comité éditorial de la revue Multitudes. Pensionnaire à la Villa Médicis en 2019-2020, il y coordonne une requête auprès de l’Unesco, avec divers auteurs autour de la Mer Méditerranée, visant à faire inscrire l’acte d’hospitalité au Patrimoine ulturel immatériel de l’humanité.
Association loi 1901, le PEROU est un laboratoire de recherche-action sur les confins de nos villes (bidonvilles, jungles, squats, refuges en tout genre) et les gestes, formes, actes d’hospitalité qui s’y inventent. Il est conçu pour faire s’articuler action sociale et action architecturale. Se référant aux droits fondamentaux européens de la personne et au « droit à la ville » qui en découle, le PEROU se veut un outil au service de la multitude d’indésirables, communément comptabilisés comme cas sociaux voire ethniques, mais jamais considérés comme habitants à part entière.
Alors que se généralise une politique aussi violente qu’absurde n’ouvrant que sur des impasses humaines (expulsions, destructions, plans d’urgence sans issues, etc…) le PEROU veut faire se multiplier des ripostes constructives, attentives aux hommes, respectueuses de leurs fragiles mais cruciales relations au territoire, modestes mais durables.

> Parcours 2022

Prune Simon-vermot, née en 1987 à La Chaux-de-Fonds, y vit et travaille entre La Chaux-de-Fonds et Lausanne. Après le lycée Blaise Cendrars de La Chaux-de-Fonds (2002-2005), elle suit des études en communication visuelle à la HEAD à Genève (2006-2010). Assistante six mois du photographe lausannois Matthieu Gafsou et soucieuse d’affiner sa pratique, elle entre à l’Ecal à Lausanne en Master Art Direction photographie (2011-2013). En juillet 2013 elle reçoit le prix Exécal et la bourse de la relève photographique de Prohelvetia. Son travail fait partie de plusieurs collections, institutionnelles, publiques ou privées, ainsi la collection d’art de la ville de Deauville, de la Banque Cantonale Vaudoise, la collection Olivier Mosset.
Elle participe depuis 2011 à des expositions personnelles ou collectives, à l’Élac (espace lausannois d’art contemporain), au musée des Beaux-Arts de La Chaux-de-Fonds, à PhotoBasel. Nommée aux bourses fédérales de design en 2019, elle est aujourd’hui photographe au musée d’ethnographie de Neuchâtel, co-curatrice, avec l’artiste Denis Roueche, de l’espace d’art Palais à Neuchâtel et chargée de cours à l’Écal à Lausanne.

> Parcours 2022

Olivier Toulemonde, né en 1972, vit et travaille à Besançon. Issu de la musique concrète, Olivier Toulemonde a pris l’habitude d’écouter à l’intérieur des sons, puis d’en révéler les contours. Il en a développé une relation intime au bruit – celui qui nous entoure, celui qui résonne en nous, celui qui fait musique. Et c’est cette question du sonore qui façonne son travail artistique, que ce soit en tant que plasticien, musicien, compositeur ou réalisateur radio. Dans son travail d’installation, sa démarche consiste le plus souvent à enregistrer des sons et/ou des paroles, puis les agencer de façon à les faire dialoguer entre eux, ainsi qu’avec l’architecture du lieu. Le dispositif de diffusion, spécifique à chaque espace, est conçu comme une invitation à l’écoute en profondeur, dans laquelle la perception de l’auditeur est intimement reliée à l’espace dans lequel il évolue. Le silence, la matérialité du son, la parole, le timbre de la voix, le récit en creux, les hésitations du langage et le son ordinaire du quotidien sont autant de marqueurs essentiels dans le travail sonore d’Olivier Toulemonde.

www.olivier-toulemonde.com

> Parcours 2022

Matthew McCaslin est un artiste américain né en 1957 à New York. Il vit et travaille à Brooklyn. Il débute sa carrière au sein de la jeune génération d’artistes américains de la fin des années 80 qui manifeste un goût prononcé pour l’objet. Il en interroge pour sa part le statut, non plus pour célébrer la société de consommation, comme l’ont fait au préalable les artistes du Pop art, mais pour en manifester le désenchantement.
Matthew McCaslin est connu pour ses vidéos et ses sculptures réalisées à partir d’objets de la vie quotidienne apparemment agencés de façon chaotique, dans un désordre faisant parfois songer à des chantiers abandonnés. Tout comme les artistes de l’Antiform, courant dont Robert Morris écrit le manifeste en 1968 pour marquer son opposition au minimalisme, Matthew McCaslin expérimente des matériaux réputés non sculpturaux tel que le tissu, les câbles ou des spots. Il obtient ainsi des œuvres souples, molles, informes qui contredisent et questionnent les définitions traditionnelles de la sculpture. L’œuvre Bedded Bed, composée de 150 couvertures empilées, évoque un lit à première vue confortable et accueillant. Mais l’origine des couvertures, récupérées par l’artiste auprès des hôpitaux et ayant appartenu à des personnes sans-abris ou à des malades, suscite au contraire un malaise. Derrière cette ambiguïté pointe en fait ici une critique sociale, l’artiste rendant visible ce qu’on ne veut pas voir.

matthew-mccaslin.com

> Parcours 2022

Née en 1988, vit et travaille en Côte-d’Or. Son travail se déploie via la sculpture et l’installation, mais aussi par la photographie et le dessin. « L’artiste joue des effets de symétrie ; entre profondeur et hauteur, caché et visible, forme produite et matière brute. Intuitivement, par la dynamique créée entre expérimentation et réflexion, le travail de Marion Lemaître, rejoint un des principes formulé par Paul Klee : le travail artistique doit désormais trouver son origine, son point de commencement dans le contradictoire, l’ambivalent. »
Sillonnant les passages étroits des grottes ou des lignes de crêtes, l’artiste met à jours ces espaces limitrophes, entre-deux, qui sont autant frontières que points de jonctions, et qui entrent en résonance avec le concept de point gris que Klee définissait ainsi dans l’espace pictural : « ce point est gris parce qu’il n’est ni blanc ni noir ou parce qu’il est blanc tout autant que noir. il est gris parce qu’il n’est ni en haut ni en bas ou parce qu’il est en haut autant qu’en bas. Gris parce qu’il n’est ni chaud ni froid. gris parce que point nondimensionnel, point entre les dimensions et à leur intersection, au croisement des chemins. »

www.lemaitremarion.com

> Parcours 2022

Lyse Fournier est installée à Bordeaux depuis 2013. En 2014, elle intègre l’atelier collectif La Réserve-Bienvenue dont elle est membre active. Cet artist-run-space est avant tout un lieu de travail mais se fédère autour de projets communs et organise des événements et des résidences. Elle développe un travail sur le paysage au travers du médium photographique. Lauréate du Prix Impression Photographique III des Ateliers Vortex, elle a présenté son travail au Musée de la Photographie Nicéphore Nièpce à Chalon-sur-Saône en 2018. La même année elle a participé au programme Post-Production #2 du Centre d’art — Maison Des Arts Georges & Claude Pompidou dans le Lot. Ces derniers événements ont opéré un tournant décisif dans sa recherche artistique développant ainsi une pratique plus sculpturale. En 2020 elle présente Jet Stream, une exposition personnelle à Bordeaux chez Éponyme Galerie. En 2021, elle participe à plusieurs expositions collectives dont Upside Down chez DOC! à Paris curatée par Lena Peyrard et Le Club du poisson Lune au CAPC à Bordeaux curatée par Cédric Fauq.
En résidence l’été dernier, elle a poursuivi sa recherche au Centre d’Art de Flaine, en Haute-Savoie.
“ Je photographie des paysages, des motifs que je répète. ce sont des natures vues et fantasmées, des récits. Je construis des hybrides, des paysages hasardeux et poétiques. ils se situent aux frontières du réél et de la fiction. C’est sur cette perception, ce moment où la mémoire et la sensation se mélangent, que se construisent mes images. Je me plonge dans des ambiances, mes souvenirs se brouillent, deviennent flous, se crée alors comme un Mnémosyne. Les rapports d’échelles varient, je compose avec le vrai, le fragmente. Je mélange les esthétiques, ce sont des survivances. Mon approche est picturale, je travaille la couleur, la lumière ; je fais des images-peintures. Je me concentre sur des textures, des nuances. J’utilise l’image pour ce qu’elle est, un matériau. Je l’imprime sur différents supports en m’attachant à sa dimension physique. en lui donnant du volume, elle devient sculpture ou installation. “

lysefournier.com

> Parcours 2022

Laurent Guenat est né à Bienne en 1954 et est originaire du Noirmont dans le Jura suisse. Il vit à Sainte-Croix et travaille aux Verrières et à Sainte-Croix. Il quitte son emploi en 1988 pour se consacrer à la recherche artistique. Il pratique la peinture, le plus souvent en grand format, et l’écriture. Il crée des livres d’artiste uniques à partir de cartons d’emballages qu’il relie, et qu’il considère comme ses laboratoires. Il a aussi pratiqué la poésie sonore en compagnie d’un contre-bassiste et publié deux CD. Il a exposé en France (Nice, Kaysersberg, Pont-de-Roide, château de Joux), au Caire et en Suisse.
« Chez Laurent Guenat, l’acte de peindre tient de l’engagement. il met en forme un regard critique posé sur ce qui entrave l’Homme dans l’expression de son énergie primitive. Le travail de l’artiste témoigne des bouillonnements de la vie dans cette lutte perpétuelle pour s’extraire des enfermements qui aliènent. Le spectateur est ainsi entraîné dans un processus de questionnements. »
Géraldine Veyrat, historienne d’art

> Parcours 2022

Pour Julie Chaffort, le cinéma est un médium dominant, naturel, qu’elle choisit très tôt de développer, à l’école des Beaux-arts de Bordeaux où elle étudie, puis auprès de Roy Andersson qu’elle assiste en Suède, et de Werner herzog dont elle suit le séminaire à sa Rogue Film School à NewYork.
Les vidéos de Julie Chaffort mirent le paysage, le toisent et le parcourent ; on y croise des hommes au destin tragique et des héros aussi beaux que les chants qui les accompagnent – peut être pour en donner la mesure. Les gestes accomplis sont tout à la fois drôles et absurdes, l’avenir toujours incertain et les paroles s’envolent, attrapées par les branches d’une forêt ou englouties dans les eaux d’un lac. Les récits s’écrivent entre les longs plans-séquence et se devinent dans les détails que la lenteur permet d’observer comme l’on admire une nature morte. L’artiste ouvre des univers parallèles, atemporels et insituables, où le monde se signale à nous par ses infimes déplacements et l’infinité de ses signaux – étrangement menaçants. Julie Chaffort expose en France et à l’international. Son dernier film Légendes était en compétition officielle française et en compétition CNAP du FIDMarseille 2020. Ses œuvres font parties de collections nationales et privées. Née en 1982, elle vit à Bordeaux et travaille en France.

www.julie-chaffort.com

> Parcours 2022

“ Plutôt que de m’attacher à un médium de prédilection, je préfère imaginer des approches répondant au plus juste à chaque nouveau projet. J’œuvre ainsi dans des techniques et domaines variés, peinture, gravure, sérigraphie, objets, textes. Parfois autobiographiques, mes projets s’inspirent du quotidien et s’intéressent à l’humain, dans un regard où l’humour se fait à la fois tendre et piquant. Des supports improbables définissent certaines créations, comme les autoportraits sur biscuits de Petit monde au beurre noir, les Biodiversités de nez collectionnés dans des alvéoles à chocolat, la robe tricotée en cassettes audio de Janis John‘n Joe, ou les peintures sur toasts et fromage de la série Croque-messieurs.
Quant à mon parcours, en voici l’essentiel : licence en lettres, formation artistique à l’université de Berne, à l’ESAV à Genève et au Département artistique de la Florida State University, pour me perfectionner en sérigraphie, et résider dans les ateliers de Nexus Press, à Atlanta, une fondation dédiée à la production de livres d’artistes. aujourd’hui, parallèlement à la poursuite de mon travail artistique que j’expose régulièrement, j’occupe un poste de médiation culturelle au musée d’art de Neuchâtel, j’enseigne la création à l’école d’art appliqué de la Chaux-de-Fonds et j’anime des ateliers de création pour adultes. Ces activités, et le contact avec un public très divers, nourrissent et inspirent mes recherches personnelles.”

www.genevieve-petermann.ch

> Parcours 2022

Charlotte Moth, née en 1978 au Royaume-Uni, vit à Paris depuis 2008. Sa façon processuelle de travailler révèle une œuvre menant à l’autre, non pas dans une progression linéaire mais plutôt comme un réseau de nombreuses directions. Inscrites dans la situation d’un lieu, réagissant aux caractéristiques de l’architecture, de nombreuses œuvres sont recréées pour chaque exposition avec une interprétation in situ. Moth part à la découverte du mystérieux dans le familier.
En 2017, elle a été l’une des quatre nominées pour le Prix Duchamp, remis au Centre Pompidou, à Paris. Ses principales expositions à ce jour incluent : Group exhib Light and Language – Lismore Castle Ireland Cur, Lisa Le Feuvre (2021) Solo exhib Enjambment, Marcelle Alix, Paris, (2020) – Colección XVI, Centro de Arte Dos de Mayo, Madrid, (2019) – Voir en se déplaçant, MIT–List Visual Arts Center, Boston (2017) – Carnet de voyage, Kunstmuseum Liechtenstein (2016) – Tate Britain, Archive Room, Londres – Fondation Esker, Calgary (2015) – Centre d’art contemporain, Genève (2012) – Fondation Serralves, Porto (2011).

> Parcours 2022

Dans sa pratique, Arnaud Vasseux donne une place déterminante aux phénomènes, aux matériaux et à leurs manipulations dans l’élaboration du sens. Il s’interroge sur les processus qui font advenir les formes à partir de matériaux qui traversent plusieurs états comme le plâtre, le béton, la résine, la cire ou le verre. Ses sculptures combinent fragilité, instabilité et résistance. Il met en jeu les notions de spatialités, de temps et de lieu par l’exploration des possibilités issues des techniques du moulage et de l’empreinte.
La confrontation à l’espace physique et l’exploration des lieux où il intervient l’ont conduit depuis une quinzaine d’années à réaliser une série d’œuvres éphémères – Les Cassables – construites à même le lieu, faisant de l’exposition un lieu d’expériences, d’hypothèses et de récits.

documentsdartistes.org/vasseux