Catégorie : Artistes 2026

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Géographe de formation, Julien Discrit questionne la représentation de l’espace, réel ou imaginaire, par le biais de différents médiums — sculpture, installation, vidéo, photographie ou peinture. Inspiré par la géomorphologie et par les neurosciences, son travail s’emploie à décrire des processus physiques ou biologiques, tout autant qu’à interroger leur mise en image. Souvent relatives ou fragmentaires, ses représentations explorent les rapports entre l’être humain et le monde qui l’environne, appréhendent les relations entre le visible et le caché, et convoquent une mémoire à la fois collective et personnelle.

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« Par mon travail, je cherche à défamiliariser le monde, par des manipulations, des reproductions, beaucoup de moulage, je questionne les choses connues pour les faire basculer vers l’absurde, le poétique ou le loufoque. Mes sources viennent de la vie quotidienne, des sciences, des arts, ou simplement d’objets familiers collectionnés et auxquels j’applique des processus de mon invention : transformation, inversion, changement de matériaux, d’échelle, de substance, pour questionner leur statut, leur valeur, leur fonction, leur existence-même. Je recherche le paradoxe, l’apparition de significations inattendues. »
Après des études de biologie, Christian Gonzenbach (né en 1975) fait un diplôme à la Haute école d’arts appliqués (aujourd’hui HEAD), une année de céramique au Japon, un master aux Beaux-Arts à Londres (Chelsea College), deux enfants, une résidence au CERN et enseigne actuellement la sculpture à la HEAD, en plus de son activité d’artiste avec une dizaine d’expositions par année en Suisse et ailleurs. Questionnant sans relâche notre culture matérielle, notre relation aux objets et à leurs techniques de fabrication, Christian Gonzenbach a développé un espace d’expérimentation plus proche du laboratoire que de l’atelier. Il ressemble à un alchimiste cherchant ce point où soudain tout se renverse, quand les valeurs s’inversent et on y voit enfin plus clair ou plus rien du tout.
Christian Gonzenbach poursuit depuis plus de vingt ans une quête plastique et poétique en manipulant et transformant objets et matériaux, gestes et concepts. Son travail a fait l’objet de nombreuses expositions personnelles dans des institutions en Suisse et à l’étranger. Son travail fait partie de collections importantes, publiques et privées telles que Victoria & Albert Museum de Londres, Essl Sammlung Vienne, Musée de la Chasse Paris, MUDAC Lausanne et du FMAC de la ville de Genève.

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Élie Bolard (Pontarlier, 1999) développe une pratique centrée sur les technologies contemporaines, interrogeant leur fonctionnement et le monopole du savoir technique. Ses installations et sculptures mêlent un langage artisanal et industriel. Toutes ces installations sont motorisées et intrinsèquement sonores : l’électronique est visible et les mécanismes audibles. Ces machines font écho à un monde standardisé où le geste est omniprésent. L’automatisation joue un rôle essentiel dans son travail, tant d’un point de vue théorique et critique que visuel. Dotées d’une intelligence et de réactions propres, ces machines invitent le spectateur à les considérer comme des êtres à part entière. Tout est en mouvement, tout est vivant, mais l’être humain n’est plus invité, ou se trouve réduit au rôle de producteur.

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Denis Roueche procède par rêverie et fantaisie. Il regarde les choses pour ce qu’elles ne sont pas et ce qu’elles pourraient être … et met en œuvre son inventivité. Il comprend vite comment tirer parti du moindre objet et de sa forme, tout en détournant sa fonction ou en y renonçant entièrement. Il y a là un vrai plaisir d’adulte qui cherche à conserver un rapport récréatif et stimulant avec le monde qui l’entoure. L’artiste n’opère pas avec une spontanéité naïve, mais bien en connaissance de cause. L’imaginaire qu’il déploie dans son travail artistique, provient des « souvenirs et visions d’aventures qui ont nourri son enfance et sont utilisés consciemment ». S’il joue avec la perception du public poussé à identifier des motifs familiers dans des objets qui les imitent en leur prêtant leurs caractéristiques, il s’agit bien d’images intentionnelles et non de paréidolies visuelles. Ces déplacements, ces réusages et ces jeux d’échelle ne manquent jamais de provoquer une étincelle d’amusement dans l’œil de celle ou celui qui les observe.

fromnewithlove.ch/artiste/roueche-denis

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Marina Zindy explore les relations entre l’humanité et le vivant à travers une diversité de médiums artistiques. Dans ses sculptures en céramique, Marina Zindy évoque l’empreinte de l’être humain sur la planète. Elle offre un refuge pour des boutures de corail, fragiles mais porteur d’espoir. Après avoir travaillé autour de ce projet intitulé Une bouteille à la mer, elle poursuit ses re- cherches et collabore avec différents musées et centres de recherches scientifiques.
Elle utilise des déchets plastiques pour créer des installations et une série photographique nommée Îlot d’incertitude. Elle met en lumière les défis environnementaux contemporains. En 2025, elle a été invitée à travailler avec l’équipe des géologues de l’ENS de Paris, notamment lors de la mission océanographique NODSSUM, qui a cartographié les fûts contenant des déchets radioactifs, jetés dans l’Atlantique. L’artiste a déposé ces sculptures à plus de 4000 mètres de profondeur. Son travail invite à une réflexion profonde sur notre relation avec la nature et notre impact sur celle-ci.

ecerfvelee.com

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Née en 1989 à Nancy, France. Vit et travaille actuellement en France. Après un Master à l’ENSAD de Nancy, elle est diplômée du Master CCC – théorie critique à la HEAD de Genève ; obtient le prix Gianni Motti (2014) et le prix Edward Steichen (2024). Dans l’espace commun, sa démarche cherche des points de bascule de manière à : inverser des rapports de forces ; rendre perceptibles les marges / la biodiversité. Cela l’engage dans des compositions de situations contextuelles et éphémères. Discrètes mais complices, ses interventions proposent une lecture à double tranchant. Au premier abord, le geste semble drôle, léger voire superficiel, pour ensuite nous faire face.

mariannevilliere.net

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Né en 1997 à Agen. Vie et travaille entre Moncrabeau et Marseille.
« …Suivre les cheminements de l’artiste, ses déplacements et ses digressions, parfois les détours ; s’accrocher comme les rapégons et se laisser porter pour germer ailleurs, ou suivre le chant d’un rossignol pour changer d’itinéraire, laissant la place aux imprévus mais aussi aux rencontres qu’on peut faire le long du chemin. D’ailleurs, c’est souvent grâce aux expériences furtives faites dans ces contextes inattendus que Théophile Peris rencontre des nouvelles techniques et savoir-faire. Autant de techniques comme autant de manières d’être au monde. Terre, os, chardons, cailloux, toisons, fer, bois, cornes, ready-made… Entre sculpture et objet fonctionnel, ses outils de travail aussi sont souvent fabriqués – ou adaptés – sur place, avec les moyens et les ressources offerts par l’environnement proche. Tout chez Théophile Peris est matière à sculpter, à assembler, à transformer. Carder, teinter, encore carder, piétiner la laine mouillée pendant des heures, assembler, ramasser, repartir et revenir, enrouler, recommencer. Voilà les actions qui se succèdent et se répètent comme une danse, dans une sorte de rituel. Sa pratique trouve sa source de ses observations transcrites en dessin dans ses carnets, faisant écho aux objets qu’il ramasse et accumule dans son sac ou qu’il organise méticuleusement sur des tables dans son atelier. Ce sont autant de bestiaires où prennent forme idées, motifs et créatures étranges. »

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François Génot vit et travaille en milieu rural dans le Grand Est de la France. Actif sur la scène internationale depuis 2005, il a réalisé de nombreuses résidences et expositions en France et à l’étranger. En 2020 et 2021 son travail entre dans les collections du Musée d’Art Moderne et Contemporain de Strasbourg et du FRAC Alsace. Membre fondateur et acteur de nombreux projets associatifs de territoire, il participe activement au développement de la culture en milieu rural. Il enseigne le dessin à l’École Supérieure d’Art de Lorraine à Metz depuis 2016.
François Génot emprunte son attitude et l’élan de sa démarche à la résistance et à la prolifération du vivant. Les déplacements, la collecte et une attention particulière aux matières, aux formes et aux phénomènes na- turels nourrissent sa pratique. Les procédés développés au gré des saisons et des différents milieux qu’il fréquente lui permettent d’entretenir une collaboration active avec le vivant. En 2023 il collabore avec la galerie LMNO à Bruxelles, développe un projet d’envergure avec le FRAC Alsace autour de la féralité (dédomestication de la nature) en tant qu’artiste et commissaire, réalise une résidence à la Ferme Asile à Sion dans le Valais Suisse et expose à Québec et à la HBK de Sarrebrück en Allemagne, participe à la Luxembourg Art Week avec la galerie Octave Cowbell et au projet d’exposition Fertile à Par.

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Diplômée de la Haute école d’art et de design de Genève (HEAD), Pauline Cordier articule depuis plusieurs années sa recherche autour de la question de la spécificité des lieux et considère les médiums de la sculpture et de l’installation comme des vecteurs d’expression de leur propre situation. Dans sa pratique, elle déjoue les notions de perception et de temporalité, et met à l’épreuve la question de l’interdépendance qu’une forme peut entretenir avec sa situation, en positionnant la matière au centre de cette relation.
Pauline Cordier a présenté son travail lors d’expositions monographiques à Standard/Deluxe (Lausanne, Suisse), à la galerie Andata Ritorno (Genève, Suisse), à Espace Contact (Neuchâtel, Suisse), à la Galerie A.ROMY (Genève, Suisse), à la Salle Crosnier du Palais de l’Athénée (Genève, Suisse) et au Kunstkasten (Winterthur, Suisse). Elle a également participé à de nombreuses expositions collectives en Suisse et à l’international, notamment au Centre d’Art Contemporain Circuit (Lausanne, Suisse), à Art Genève (Genève, Suisse), à Art au Centre (Genève, Suisse), au Walgreens Windows project space (Miami, États-Unis), à REA Art Fair (Milan, Italie), à l’Espace d’art contemporain Les Halles (Porrentruy, Suisse), au 64 e Salon de Montrouge (Paris, France), à Jungkunst (Win- terthur, Suisse) et à Inchon Art Platform (Corée du Sud).

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Claire Hannicq est artiste visuelle, coordinatrice de l’Atelier Faires dans les Vosges. Elle est diplômée de la HEAR Strasbourg et de l’ESAL-Épinal.
Sa pratique oscille entre sculpture et image. Elle travaille les matières bois, verre et métal pour évoquer des notions propres à l’immatériel : flux des pensées, relations, sentiments.
Hannicq compte des expositions au Canada au centre d’art Optica à Montréal et à la Galerie Engramme à Québec, en Suisse à la Kunsthalle, au Salon Mondial et au Projektraum M54 de Bâle, en Allemagne à la Saarländisches Künstlerhaus et à la Moderne Galerie de Saarbrück ainsi qu’à la Kunsthaus L6 de Freiburg, en Estonie à l’EKA Gallery à Tallinn et à la Tartu Art House, en Suède à la Galerie Grafik i Väst de Göteborg. En France elle expose au MAC VAL, au FRAC Alsace et au FRAC Franche-Comté, à la Kunsthalle de Mulhouse, à la Synagogue de Delme, au Musée des Beaux-Arts et d’Archéologie de Besançon, au Musée de l’Image d’Épinal ainsi qu’au Musée de l’Imprimerie de Nantes et celui de Lyon. Claire Hannicq a participé à des résidences à la Fonderie Darling de Montréal, à la Grafik- werkstatt de Dresde, en Espagne, en Suède et en France.

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Céline Notheaux est diplômée de l’Institut Supérieur des Beaux-Arts de Besançon et de l’Universitat de Bellas Artes de Valencia. L’exercice du dessin initie sa pratique qui se déploie en des corpus de pièces de natures variées. Peinture, édition, céramique, vidéo et performance sont adoptées en fonction d’installations pensées comme des jeux d’esprit, des parcours symboliques à déchiffrer. Les imaginaires liés au monde agricole, aux champs du savoir, à la société de classe nourrissent ses recherches. Aussi, une production textuelle irrigue sa pratique par le souterrain, faisant de la médiation et de la réception des œuvres un aspect pensé en atelier. À travers des expérimentations formelles et esthétiques, elle cherche à négocier un espace de pensée à la croisée des domaines poétique, documentaire et existentiel, en cela sa pratique est incarnée. Depuis 2014, avec le collectif W, entre 2022 et 2025 aux Ateliers Vauban puis depuis 2026 avec Gynettes, elle mène des projets de commissariat, de co-création et à visée pédagogique.